对艺术创作的理解(6篇)
时间：2024-03-21
时间：2024-03-21
一、艺术设计专业课程教学的改革目标
针对于艺术设计专业课程教学，为了发挥其专业的特点，使其应用更为广泛，就要对学生的分析解决能力进行群面的提高。艺术设计专科课程全新教育体系在最初建设时，就已经对学生创新思维能力训练十分重视，例如开设《创意思维》新课程。艺术设计专科课程教学内容要适应教学改革，对其改革模式和方向加以掌握，使其专业的特色进一步彰显出来。通常在此专业学习过程中学生容易出现创造力不足，理解知识僵化等情况，开设《创意思维》课程可以有效的解决这一问题，能够将培养学生的重心落在学生的开发创造能力和突破传统思维上。同时，《创意思维》课程教学模式还吸取了国外创造工程学的研究经验，对艺术设计专业课程的学生进行了针对性的艺术思维训练。针对于提高学生解决问题的能力和创新能力，《创意思维》课程教学模式做了系统的修正。现阶段的艺术设计专业课程教学目标具有一定的针对性、可操作性和具体性。其内容包括：通过对学生在《创意思维》课程中受到全方位的思维训练，促进学生打破惯性思维定式，避免学生出现艺术视觉单一和模式化思维思考艺术作品的情况发生。同时，能够使学生的思维反应机制具有一定的灵活性、多维性、发散性和前瞻性的特点，继而学生能够利用创意的新型思维去解决在艺术设计专业课程教学中出现的问题，从而使艺术设计专业学生完成全面素质教育。
二、《创意思维》课程的结构和内容
为了保证艺术设计专业课程教学模式改革的目标实现，要进一步加强学生创意思维能力，在《创意思维》课程的结构和内容设计上要遵循合理性、针对性和逻辑性的原则。《创意思维》课程内容主要包括四个方面：突破传统的思维障碍、创造性和发散性思维的培养、使精确的思考能力进一步增强、对创意加以运用。
三、艺术设计专业《创意思维》课程的教学模式和内容
艺术设计专业《创意思维》课程目标的实现有赖于合适的教学模式和科学的教学内容。《创意思维》课程利用了多种教学内容元素使课堂教学内容生动灵活。将传统的以教师为主体改为以学生为主体的授课模式，老师传授专业知识的同时，还要以比赛、会意、问答、分组、表演和讨论等教学方式来进行《创意思维》课程的开展。学生不会像以往一样被动的去吸收艺术设计专业知识，而是作为课程开展的参与者，对其艺术设计进行大胆的构思，从而使其学习专业知识的自主性进一步得到提高。
四、开设艺术设计专业《创意思维》课程的作用
艺术设计专业课程教学是一门涉及多领域内容的学科，包括人文科学和自然科学等有有所涉及，其课程的开展是基于实践与理论相结合的方式，使设计专业实践课程与设计专业理论课程共同进步发展。基于此，对艺术设计专业课程的科学设置就显得尤为重要，以《创意思维》课程为例，要对实践教学与理论教学进行合理的安排和优化，使学生的创造性思维能到进一步加强，有助于学生形成具有特色的艺术设计思维，这才是符合艺术设计专业课程教学模式的改革与实践课程。
五、在艺术专业课程教学改革中教师发挥的作用
针对于艺术专业《创意思维》课程教学活动，教师要对传统的形象加以更新，以全新的形象扮演活动的发起者，不强加给学生任何给定答案。学生在其课程教学中可以自由的发挥自己对艺术设计的想法，不需要按步照班的记笔记。同时，教师要引导学生进行自主的思考艺术设计，鼓励学生畅所欲言，针对于不同的学生，教师要根据其自身的特点加以分析，这样当学生在学习艺术设计专业课程中出现问题时，由于答案不是唯一的，老师可以结合学生的情况对学生进行详细的讲解。此外，对于学生每次的发言内容教师都应该仔细的聆听，适当的对学生进行正确的指导。在《创意思维》课程教学活动结束后，教师应该客观的对学生进行综合评价。由此可见，教师在《创意思维》课程中发挥的作用是不可小觑的，在进行授课前，教师要先对自己的思维模式进行更新，使学生具有一定的创意能力，这样也有助于今后艺术专业课程教学工作的有效开展。
六、结语
关键词艺术鉴赏力大学生艺术修养综合素质
中图分类号：G640文献标识码：A
1培养艺术鉴赏能力，激发学生的创新思维
1.1艺术鉴赏与艺术鉴赏能力
艺术鉴赏是人们对艺术形象进行感受，理解和评判的思维活动和过程，是对艺术作品的具体把握。它既和鉴赏对象的性质、特点相联系，又和主体的生活经验、思想感情、欣赏能力相联系，是一个发现美、欣赏美、享受美的过程。艺术鉴赏力，亦审美能力。即让人如何认识美、理解美、评价美。艺术鉴赏能力使人们在审美体验中产生强烈的情感，从而逐步深入对人类生活本质的洞察，感悟理解，深化对客观世界的认识。在现代网络电视发达的生活中，每个人与艺术都有或多或少的联系，多在自觉不自觉的品评鉴赏着艺术作品。著名艺术社会学家豪泽尔曾指出：“人可以生来就是艺术家，但要成为鉴赏家却必须经过教育。”教育的实践证明，艺术鉴赏不仅是艺术院校学生的课程，非艺术院校的大学生们同样需要培养对艺术的理解和鉴赏能力，使之成为高等学校加强学生素质教育的重要手段。
1.2艺术鉴赏能力与创新思维
创新思维是以新颖独创的方法解决问题的思维过程，通过这种思维能突破常规思维的界限，以超常规甚至反常规的方法、视角去思考问题，提出与众不同的解决方案，从而产生新颖的、独到的、有社会意义的思维成果。著名科学家钱学森曾说过，“一个有科学创新能力的人不但要有科学知识，还要有文化艺术修养。小时候，我父亲让我学理科，同时又送我去学绘画和音乐。我觉得艺术上的修养对我后来的科学工作很重要，它开拓了科学创新思维……正是因为我学会了艺术的广阔思想方法，我才能避免死心眼，避免机械唯物论，想问题能够宽一些，活一些”。大学生中对艺术感兴趣的不乏其人，但趣味不是都能变成鉴赏力的。如果仅停留在一般趣味上，那还只是趣味而己。众多的优秀的艺术作品，是作者深远含蓄的创作意图的体现，也是浓缩了创作者的情思和感受。只有理解它，读懂它，和创作者产生情感共鸣，从而实现对欣赏艺术品质的熏陶和人生境界的升华。培养提高艺术鉴赏能力，可以使大学生的思想、意识、情感发生积极的变化，在获得艺术方面基本知识的同时，把对艺术的兴趣和爱好，发展为形象思维能力。通过鉴赏品鉴丰富多彩的艺术作品，启发他们的理性思维，激发潜藏于学生心灵深处的直觉思维，激发学生的创新思维能力。
2加强艺术素质教育，陶冶情操追寻梦想
培养艺术鉴赏能力离不开艺术素质教育。前苏联艺术教育家曾阐述，“艺术能够激起幻想，开拓思想，形成道德原则，开阔眼界，皆因思想立场，给人以理想”。艺术素质教育是美育的核心，与“德”有着紧密联系，其目的是培养全面发展的人。
人们熟知的吹拉弹唱、舞文绘画等是艺术教育中的技巧性训练，艺术素质教育的深刻内涵还体现在它形象性思维的培育功能。一首《义勇军进行曲》激励了多少爱国青年为新中国的建立，为民族复兴前赴后继，勇往直前。还有那些饱含深刻的哲理的艺术作品，帮助人们理解和认识生活的本质。目前我们面对的在校大学生已是“90”后的一代新人，他们对欣赏音乐、美术、文学诗歌等作品有着独特的风格，加强艺术素质教育对调节学生的心理，活跃思想，开阔视野，陶冶情操，涵养德性等有着不可替代的作用。
艺术的思想教育作用是隐含在艺术作品塑造的艺术形象之中的。在国家博物馆参观大型展览《复兴之路》时发表重要讲话指出，“每个人都有理想和追求，都有自己的梦想。现在，大家都在讨论中国梦，我以为，实现中华民族伟大复兴，就是中华民族近代以来最伟大的梦想。”我们在思想政治工作的同时，融入艺术素质教育，使大学生通过对艺术作品的鉴赏、理解和升华人生理想的奋斗目标，坚定美好的信念，追寻梦想，为实现中华民族伟大复兴的中国梦而努力。
3搭建艺术鉴赏的平台，提升大学生综合素质
3.1丰富多样化艺术社团活动
高校中的音乐社、美术社、文学诗歌社等等多样化艺术社团，是学生课余生活张扬个性的舞台，学生在这一平台上充分的发挥潜能，舞动青春。大科学家爱因斯坦说过，他的许多成绩都是从音乐中受到启发得来的。艺术鉴赏能力对人的想象力的培养是其他教育所不能及的，它能超越时空的限制，将过去与未来，现实与幻想，此岸与彼岸，自我与对象都融为一体。大学生在社团活动中或将身边发生的典型事迹或人物为素材原创作品，或欣赏民族的、世界的优秀作品，或举办丰富多彩的校园歌手、舞蹈、书法绘画和各种器乐等大赛，不断获取知识，加深艺术修养，提高对艺术的鉴赏能力。
3.2推进高雅艺术进校园建设
高雅艺术是人类共同的文化财富和精神遗产。亲近高雅艺术，可以感受深厚的人文底蕴和丰富的美学内涵，开阔文化视野，形成崇真尚美的高尚情操。大学生是有着一定知识水平和鉴赏能力的群体，对高雅艺术也最具热情，充满向往和需求。进一步深化“高雅艺术进校园活动”的内涵，使高雅艺术进校园的内容与形式更加丰富多彩，是培养学生艺术鉴赏能力的又一平台。一些艺术团体和德艺双馨的艺人走进校园，让高校学生能够走近大师，多渠道德接受高雅艺术熏陶，面对面、零距离地直接感受优秀艺术作品的艺术魅力，在欣赏高雅艺术的同时，增强艺术鉴赏能力。学生的审美情趣、艺术修养和文化素质得到进一步提高。对大学生塑造人格美、培养才能美、铸造行为美，促进全面发展，会产生深远而重要的意义。
3.3开设多形式艺术教育讲堂
大学生活是人生最美好的阶段，为全面提升学生的综合素质，促进专业教育与艺术教育相融合，在总的培养目标下进行整体规划，在学习文化课的同时，开设不同形式的艺术讲堂。如音乐名作鉴赏，名画鉴赏，舞蹈、诗歌鉴赏等内容的艺术鉴赏课程，作为选修课供学生选择，或定期不定期的举办艺术鉴赏讲座。
多形式艺术教育讲堂的开设，将使大学生的艺术鉴赏能力得到系统训练，艺术素质得到提高，充实学生的大学生活。在艺术的熏陶中进一步升华学生的思想境界，使学生的精神风貌和文明程度得到提高，综合素质得到提升。
综上所述，培养大学生的艺术鉴赏能力的理论与实践，加强大学生艺术修养和自身素养，开拓创新能力，对全面提高大学生综合素质的影响，尚需要我们进一步的深化探索和研究。
参考文献
关键词：艺术；再现；表现；形式主义；观念艺术
美学用语就像隐喻，我们必须时刻注意不要按字面意义去理解这种隐喻性表达。
对“艺术是什么”这样一个涉及本质的观念问题，在后现代的今天被认为是应该抛弃的伪问题，它普遍地被认为是不可能的也是无解的。迪弗在《艺术之名》中认为:“在这个由艺术显示并强化了的象征功能之外，人类命名为艺术的东西失去了同一性，分裂成为多种多样的艺术以及数不胜数的风格和样式”川。迪弗这里所说的艺术的多样性主要是就现代社会这一共时态来说的，艺术在我们时代分化为无数的种类和样式，艺术之名不再具有整合的能力，共名的艺术受到了普遍的怀疑。应对艺术之名失去同一性的问题，波普尔的历史哲学提出了“情境逻辑”的概念，认为对这样一些价值概念，努力穷究其本质不如探讨其历史发展脉络。任何一个名词概念都有历史的所指，回到它的具体时代，在具体情境中探讨，是我们可以做应该做也是更具意义的事。贡布里希的《艺术的故事》就是按照波普尔的情境逻辑重构了艺术发展的特定情境，告诉我们不同时代的艺术面貌，解释对于不同时代的人来说，艺术意味着什么，不同时代的艺术在社会中各处于什么样的位置。本文的写作也不期望能给出一个关于艺术的本质界定，只是希望通过对艺术观念的历史追溯，厘清艺术理论史上出现的主要艺术观念，尤其将重点放在疑问多多的现代艺术上，对其观念主张进行更深人的阐释，以对艺术有更深人全面的理解和把握。
就历时的角度来说，不同时代有不同的艺术，不同时代出现了不同的艺术观念，本文将历史上古往今来的艺术分为再现艺术、表现艺术、形式艺术和观念艺术四种，每一种艺术观念都试图从不同角度对艺术进行本质的把握，每一种艺术观念都适合解释特定样式的艺术，只有这样历时和整体的把握才能使我们对艺术的内涵有更深刻的认识。
一、再现艺术
再现艺术观主要从艺术与客观世界的关系来论述艺术，认为艺术是对现实世界的模仿，艺术是现实的一面镜子，而现实主义、自然主义、古典主义都可以看作是这种艺术观念的遥远的回声。模仿说是历史上出现的第一个艺术理论，也是再现艺术观的滥筋。赫拉克利特最早提出“艺术模仿自然”，柏拉图也将艺术看作是对物质世界的模仿，只不过它与理念隔了三重。将模仿论发挥到完善境地的是亚里斯多德，由于亚里斯多德的巨大影响，模仿论影响了西方艺术理论将近两千年的时间，直至i8世纪由于人的主体灵魂世界渐受重视才逐渐式微，被随浪漫主义兴起的表现艺术取代，表现艺术逐渐占据艺术理论的主流位置。因而车尔尼雪夫斯基说，亚里斯多德是第一个以独立体系阐明美学概念的人，他的概念竟雄霸了二千年。再现艺术观将艺术看作是对外在客观世界的摹仿或再现，是对世界的补充和完善，它从艺术与世界的关系人手，从艺术所模仿的客观世界的角度解释艺术，其着重点在客观世界而非艺术。因而在再现艺术中，艺术是次生的附属于客观世界而存在的，它的意义在很大程度上也取决于模仿物和再现对象。既然艺术是对世界的模仿，而按柏拉图的理解，艺术是永远不可能与现实相象，更不用说与理念接近了。亚里斯多德看到了诗歌胜于历史的一面，认为诗歌体现的是可然律和或然律，揭示的是普遍和一般的本质，因而超过了历史对于个别事件的记载。千年以来，正是因为亚里斯多德，再现艺术成了比历史更真实的本质存在。
但《现代艺术哲学》的作者布洛克将模仿与相似作了比较，揭示了模仿和再现艺术的“失真”的本质。布洛克认为“‘相似’是双向的或相互的，模仿却是单向的或仅指一方对另一方而言。换句话说，‘相似’是一种‘对称关系’，模仿则是一种非对称关系”，模仿一词即已宣告了艺术的不利位置。艺术既然是世界的模仿，它就有一个摹本，而艺术无论如何逼真、肖似，也仅仅只是逼真和肖似，它是永远也无法达到摹本的状态，更不用说超越摹本了。而再现一词相对模仿来说，似乎更可以感觉到艺术自身的价值，模仿一词似乎永远无法摆脱摹本，永远无法超越摹本，而再现似乎肯定了艺术世界存在的价值。在这种观念影响下，人们对于艺术的看法便主要强调其题材的价值。因为艺术努力要达到的目标是如客观世界般的真实，因而艺术价值的高低很大程度上与其所模仿的题材对象有很大的关系，题材重要，作品自然重要。西方古典观念将悲剧看作是高贵体裁，喜剧被看作是卑俗体裁，其原因也正是由于如亚里斯多德所说的，悲剧模仿的是比我们一般的人要好的人，而喜剧模仿的是比我们一般的人要坏的人，现实中好人比坏人重要，艺术中悲剧自然也比喜剧高贵。就再现艺术来说，艺术并没有获得自己独立的地位，人们将艺术看作是工具、技巧，是为弥补和完善自然的手段和技艺，艺术的价值和意义主要依赖于外在世界。
二、表现艺术
1、从再现世界到表现情感
如果说再现论主要从艺术与世界的关系人手解释艺术，表现论则从艺术品与创作者的角度人手来解释艺术。再现艺术观着眼于艺术的题材对象，着眼于艺术的再现能力、模仿能力，评价作品时称其逼真肖似生活和客观世界，便是对艺术的最高赞赏了。表现论则着眼于艺术品的独特魅力，并从观照艺术品人手过渡到对于创作者艺术家的浓厚兴趣。再现论的一个理论共识也是一种假设，即世界是客观存在的，且每个人眼中的世界都是固定的、同一的、永恒的，客观世界本身即可作为一个参照系来评价艺术是否真实，是否达到了最好的再现和模仿。表现论则逐渐发现世界的纷乱和差异，世界开始分化不再一统，且人与人间的差异日渐明显，他们从各个不同的作品人手，发现了人的巨大差异，发现了艺术家的独特品质和察赋。这种察赋在柏拉图那里被称为“神灵附体”、一种“迷狂”，在表现论这里则是天才和神似的创造者概念的出现。艺术家开始与创造、天才、神这样一些概念相联系，米开朗基罗最早被人用“神”来喻指，他的伟大创造力在作品中得到了恢宏的呈现。天才和创造这样的概念到18世纪浪漫主义时代才最终出现，标志着主体觉醒和个人化的时代的到来，与之相应的，则是浪漫主义所标举的表现观的出笼。
表现论认为艺术主要是表现艺术家的情感，表现世界在艺术家心中的投射，一种折光，杜博斯说艺术是“外界事物在我们心中所起的印象”，华兹华斯说，诗就是强烈情感的自然流露或诗是人们在平静中回忆起来的情感。与再现论不同，表现主义更强调个人对世界的印象和情感，个人性在此得到了鲜明的呈现，也正在此意义上，里德认为“表现主义艺术是个人主义艺术”、4。表现艺术观最早在18世纪浪漫主义时代崭露头角，之后基本占据艺术观的主流，主要代表是托尔斯泰和科林任德。托尔斯泰在《艺术论》中将艺术看作是情感的传达和交流，科林伍德也明确提出了艺术情感说，认为真正的艺术不是技艺、再现、巫术、娱乐，而是表现情感和想象性的活动。在《艺术原理》中科林伍德提到，“作为情感的表现，真正的艺术与上述一切毫不相干真正的艺术家尽力解决表现某一情感的问题”。现代艺术中的表现主义也可以看作是表现艺术观的后来的子民。应该说现代艺术都是强调主体表现的艺术，都强调艺术家个体对世界的独特领悟和表现，因而现代主义在早期被称为“新浪漫主义”，茅盾介绍现代派艺术时也用此概念。基西卡也认为“浪漫主义的原创性、真实性和个人天赋对19世纪和20世纪的艺术创作有着深远的影响，从这一方面来说，浪漫主义具有典型的现代主义特征”，我们轻易就可看出现代艺术与浪漫主义间精神上的联系。
2、从模仿者到创造者、天才
（赤峰学院教育科学学院，内蒙古赤峰024000）
摘要：广播电视编导专业作为新兴学科，也作为我校的新增专业，在专业培养、师资建设、课程建设等方面在不断的摸索前进.我院在《赤峰学院“十二五”改革与发展规划》中明确提出了培养“创新型、应用型、复合型”人才的培养目标，从而确定了我院要转变人才培养模式，由传统的学术型人才培养模式向应用型人才培养模式转变.在这个大背景下，广播电视编导专业也要进行专业课程的改革，突出实践教学.本文从广播电视编导专业的发展及专业现状入手，以一线教学实践为平台，以《艺术概论》为例证，综合多年教学实践，在改革创新教学方法的基础上，以个例阐述的方式探讨了理论课程的实践教学建构，以期为我院广播电视编导专业的理论课程实践教学提供指导和帮助.
关键词：广播电视编导；理论课程；实践教学
中图分类号：G642文献标识码：A文章编号：1673-260X（2015）01-0228-03
广播电视编导专业的理论课程多为个方向必修的专业基础课程和专业必修课程，在学分设置上也占有很大的比例.以往在讲授理论课程时都采用纯理论教学模式为主的方式，教师讲授、放映相关影视视频、与学生互动等相结合，其实，现在我们的课堂教学手段比较单一，一般老师都是应用多媒体教学，多媒体在一定程度上能够缓解理论课课堂教学的枯燥，但是，这种教学手段类似于我们所说的“填鸭式”教学，我们讲多少，学生能学多少，直接影响学生对课程的接受程度.尤其是广播电视编导专业是实践性很强的专业，让学生学会用所学到的理论知识指导实践操作是每个理论课教师都应该仔细考虑的问题.笔者将以广播电视编导专业基础课《艺术概论》为例证，结合本人近年来的教学实践，对广播电视编导专业理论课的实践教学提出几点自己的看法.
《艺术概论》作为我校艺术教育专业的重要课程之一，是所有艺术学科的基础理论课程，是对艺术的基础知识、基本问题和基本原理做专门综合性探讨与入门性研究的理论课程，在艺术类院校及各高校艺术类专业的课程设置中有非常重要的地位.然而，就实际情况来看，我们的学生对专业理论课程认识不够，绝大多数学生都认为实践性课程的应用性更强、实用性更强，他们将更多的精力投入到专业技能课程的学习和训练上，而忽略了对理论课程进行学习，这就造成了学生在课堂上主动性和参与性不高，为了应付考试，死记硬背一些名词术语和概念.最终致使学生的专业技能基础较为扎实，而艺术理论修养欠缺，导致其艺术作品文化品位不高，创作出来的作品平庸媚俗，其自身也逐渐成为了一个缺乏艺术理论素养和艺术文化内涵的“艺术制作者”.
经调查，我们以往的《艺术概论》教学模式不管用到何种课堂教学手段，基本都属于理论灌输型教学，之进行枯燥的理论传授，而没有达到开拓学生的视野、提高学生的审美能力和辅助专业创作的作用，而且这种封闭式的教学显然已经不适合当下的新媒体环境,也就更不适合成长于新媒体时代的学生.当下的学生更乐于探索创新，也更乐于大胆实践,我们的传统式教学只会压抑学生们的发光点,也不会让学生真正受益,学生势必不会十分主动的参与到教学中来.所以，改革也就迫在眉睫.
笔者在《艺术概论》课程教学中，尝试采用理论课程的实践教学方式进行教学，收到了良好的教学效果，并总结出了些许教学经验.主要教学方式如下：
1理论课程实践教学模式构想
我们要求学习艺术的学生要有丰富的个人情感，这就导致学生感性思维运用得较多，而面对比较系统的、需要运用到理性思维去学习、思考的理论性知识就多少显得有一些薄弱，如果老师只是照本宣科一带而过的话，学生对所学到的知识会显得模棱两可，与其自身的实践联系不到一起.针对这种情况，根据实践教学经验，《艺术概论》课程教学目标确定为了解各地艺术的普遍规律、认识各种艺术现象的共性问题，在此基础上树立正确的创作思想，进而树立起正确的艺术观，价值观，人生观和世界观，以在艺术工作中创造出鼓舞人心的优秀作品.根据我校学生的实际素质水平和专业水平，课程内容确定为：从艺术的本原、本体讲起，详细讲述造型艺术、语言艺术、表情艺术、实用艺术等各种具体艺术形态的特点、特征，最后阐述艺术鉴赏的相关理论，让学生在欣赏具体的艺术形式时学习相关的艺术理论，并运用相关理论拍摄出具体作品.
在教材的选择上，针对新的教学模式构想，几次更换教材，2010年之前使用的是孙美兰主编的高等教育出版社出版的《艺术概论》和王宏建主编的文化艺术出版社出版的《艺术概论》.孙美兰老师的教材主要是以本体论为核心构建艺术理论，以美术、音乐为主线，探索中、西艺术比较中的新概念，并建立艺术理论教程的新体系.王宏建老师的教材首先从哲学的高度和历史的广度探讨艺术的本质、各门类艺术的特点和它们共同的审美特征及艺术发生和发展的客观规律，再深入到艺术创作的活动中去，揭示艺术创作和艺术欣赏的普遍规律.2010年至今，随着教学目标的变化，为了让学生更深入的学会用理论内容指导实践，又对教材做了慎重的选择，2013年开始，主要使用的是王杰泓主编的首都经贸大学出版社出版的《艺术概论》，这本教材主要从艺术的本原、本体讲起，详细讲述了造型艺术、语言艺术、表情艺术、实用艺术等各种具体艺术形态的特点、特征，最后阐述了艺术鉴赏的相关理论，比如艺术的文化和艺术的发展.将这本教材确定为专业用书，也并不是完全按照教材上的内容照本宣科，而是根据本教材的章节流程来安排教学，每一章节的具体内容要根据具体艺术理论和艺术门类的参考用书来确定教学内容.
根据教学内容，具体确定了学时分配.
通过上表可以看到，在分配学时时，艺术门类学时相对较少，大学时的分配主要集中在艺术本体、艺术文化、艺术发展和综合艺术上，主要考虑到作为广播电视编导专业与其他艺术类专业的区别，广播电视编导专业主要是培养学生对广播电视节目编导、策划、创作、制作等方面的专业知识与技能，要求学生具有宽厚的文化与科学知识素养，具备较高的理论修养和艺术鉴赏能力，广编专业不同于其它单一的艺术类专业，它是将艺术专业知识运用到编导、策划、创作和制作等方面，而艺术门类知识主要是作为本专业学生的理论修养和艺术鉴赏能力修养，所以在学时分配上，将艺术本体加大学时，尤其是艺术创作部分.在艺术门类章节中，根据学生学到的艺术创作知识，引入实践教学.
2引入实践教学，追求教学方法的灵活化、多样化，探索课堂教学的延伸化、实践化
《艺术概论》课程中的绝大多数学习内容，如果按照传统的课堂教学模式进行教学，很容易造成学生死记硬背、机械式的学习，达不到预期的教学效果.例如在讲解第二章——艺术的本体中，关于什么是艺术的本体、什么是艺术创作这一类的内容，学生在课堂教学中，单听教师的讲解只能够理解皮毛，对于艺术创作只能记住艺术创作的几个阶段，如果引入实践教学，让学生自己去创作，那教学效果将大不相同.
在学期初教学班级根据人数成立兴趣小组，每小组大约8人，采取自由结组的方式，要求每组必须搭配有男生.兴趣小组的成立便于学生们今后的学习、讨论和创作.根据学时分配，结合实践教学特点，具体引入实践教学的章节集中在第三章至第七章.分配如下表：
将实践教学引入到具体艺术门类创作中，主要考虑到具体的艺术门类对于广播电视编导专业的学生来说，可操作性更强，在规定的内容范围内，学生根据自己的艺术创作习惯或喜好选择题材和形式，鼓励学生用镜头说话，鼓励学生用摄像机（条件不足可以用手机）以广播电视节目形式的方式创作出具体的作品.根据我校广播电视编导专业的培养方案，开设《艺术概论》课程之前，已经开设过《广播电视概论》课程，拍摄影视作品的具体流程学生已经了解，让学生依据流程去设计、策划自己的作品，并按要求在规定时间内以广播电视的艺术形式将每种艺术门类阐释清楚.
这种阐释不是用影视手段解释一种艺术门类，形式可以是多样的，可以是故事片、可以是纪录片、可以是专题片……例如有的同学把实用艺术拍摄成专题片的形式，拍摄内容是赤峰市博物馆.如图1.
主要是以博物馆中的展品为例，阐释实用艺术.此专题片学生用摄像机拍摄完成，从策划、稿本写作、解说词写作、剧务、拍摄、配音到后期制作，学生全部独立完成，不仅更深入的了解了什么是艺术创作和什么是实用艺术，而且学生积累了创作经验和拍摄经验，为以后的学习和实践都打下了基础.
再如表情艺术一章，学生们自编了一个故事，讲述了一个舞蹈演员的情感故事，很好的阐释了表情艺术是借助于音响、节奏、旋律或人体动作，同时经过表演这个环节，以此来塑造艺术形象.
又如在综合艺术一章，学生们编导了青春校园剧《我用青春说爱你》.故事是个青春校园的爱情喜剧，不论从编导还是画面质量，再到后期制作，甚至到花絮都制作非常精良，而且情节风趣幽默，对于刚刚步入大学校园的学生来说，非常难能可贵，也说明学生不但理解了艺术，理解了艺术创作，理解了综合艺术，也更深刻的理解了广播电视编导专业的特殊性，而且也对广编专业有了浓厚的兴趣.
这样的例子还有很多，这种教学方法极大的提高了学生的学习兴趣，不但有效的强化了《艺术概论》课程的教学效果，也使学生更深入的了解了广播电视编导专业的专业特色，在学习基础理论知识的同时激发了学生对广播电视编导专业的专业兴趣，也是学生了解了今后专业学习的大方向，可谓一举多得.
值得注意的一点是，安排的实践内容具体学时均为2周，这个学时并不占用本课程教学计划中的课时，而是给学生2周的时间，利用课余去创作，将课堂教学延伸化，给学生充足的时间去思考.对广播电视编导专业的学生来说，艺术理论知识是指导他们今后艺术创作的重要储备，专业技能的训练是他们艺术创作的功力支撑，两者应齐头并进，不能偏废.理论知识的学习，能够为学生以后的艺术创作指明方向，让他们清楚地知道自己创作的目标、过程和结果，并在创作的过程中学会表达自己，在作品中呈现自己的思想与情感并为人所接受.而《艺术概论》课程中的实际创作是学生今后进行作品创作的敲门砖.
3创新考核方式，努力使考核方式理论和实践相结合
1．1利用科学思维能够提升艺术家素养
作为艺术的创造主体，艺术家为了能创作出杰出的艺术作品，要求他们拥有水平较高的艺术素养，其中包括艺术专业创作技巧、艺术表达能力、艺术创新思维等，只有这样，艺术家们才有可能创作出具有创新性，又不失审美精神的艺术作品，间接推动艺术事业的发展。从这个层面上总结，艺术的发展离不开以艺术家的艺术素养作为基础，而科学思维在提升艺术家素养方面，起到了极大促进作用。笔者认为，科学理论知识和方法是科学思维的前提，可以帮助艺术家在掌握知识的同时，摆脱朴素的自发方式，从而有效地帮助艺术家自觉地学习文化知识，以提高自身的文化素质。科学思维为艺术家提供科学的分析方法，帮助他们在艺术积累中，通过鉴别大量原始材料和理清材料之间内在联系，奠定产生艺术灵感的基础。通过科学思维与艺术思维的交互作用，共同为艺术家的创作活动提供完整、有序、合理的思维基础，以便艺术家更加深入到艺术创作的实践之中。
1．2利用科学思维加深对艺术作品的理解
艺术创造活动是一个系统和复杂的过程，通过对其阶段性进行合理必要的分析，才能清醒的认识和自由把握科学思维在艺术创作过程中的作用。不过，在艺术实践中这三个阶段并非截然分开、先后出现的，我们不能将三个阶段作机械的分割和理解，而是要层层了解、环环相扣和相互渗透，总而言之，科学思维在这几个阶段中起到了举足轻重的作用，并推动着艺术的发展。
1．3将科学思维融入艺术鉴赏活动
作为艺术作品鉴赏的主体，鉴赏者通过感官对艺术作品的意蕴进行思索和想象，最后对作品作出评价。笔者认为艺术鉴赏作为艺术活动的最后环节，鉴赏者的满意与否，是推动艺术品产量化发展的关键，因此鉴赏者作为艺术作品鉴赏地方主体，其科学思维对艺术鉴赏的质量和水平具有很大的影响，从另一方面又会促进艺术工作者素养的提升，为鉴赏者的理解和艺术工作者的再创造提供良好的基础条件，因此我们可以将科学思维融入到艺术鉴赏当中，促进艺术的发展。
1．4利用科学思维能引导艺术批评活动
对艺术作品进行分析、评判和研究等科学认识活动，是需要在一定的理论指导前提下的，对艺术进行批评其实是一种理性的审视，所以他要求批评者具有明晰的理性思维，具有严谨的理论性社会科学知识，科学思维具有概括思维、判断思维和推断思维，艺术批评需要理性，科学思维正好符合这点要求，因此说科学思维在艺术批评中起到重要作用。科学思维提升了批评家的理论能力、逻辑能力和推理能力，从而保障了艺术批评的科学性；科学思维的逻辑性与敏锐性帮助批评家及时把握艺术发展的动态，引导艺术的发展；科学思维的客观性与逻辑性关系到艺术批评的准确性、客观性、科学性并使批评方法得以科学实施。简单言之，科学思维与生俱来的逻辑性、理论性、系统性和敏锐性推动了艺术批评发展。
2结束语
关键词：情感；形式；艺术；符号论
中图分类号：J601文献标识码：A文章编号：1006-026X（2013）08-0000-01
苏珊・卡纳斯・朗格是美国著名的符号论美学家，在其著作《情感与形式》一书中，她从艺术符号、符号的创造、符号的力量这三个部分来详细阐述符号论的美学思想，进而形成一个完整的理论体系。该书的核心观点是：艺术，是人类情感的符号形式的创造①。全书首先把艺术问题上升到哲学的高度，进而分章研究音乐、舞蹈、文学、戏剧等艺术类型，最后着重探讨了艺术符号的表现力以及文本与观者之间的张力关系等问题，从而顺利地建构起符号论美学的理论框架。
一、表达人类情感的艺术符号
艺术是一门结合感性思维与理性思维的生命形式，具有严密的逻辑性和统一性，应该把艺术提升至哲学高度进行思考，经过不断地概括、总结，通过普遍原则得以构造一个哲学概念。
朗格从美学的种种异端这一角度入手，阐述了一部分著名的美学家和哲学家关于艺术表现、情感传达等问题的理论，重点指出“客观的情感”所存在的缺陷。紧接着朗格探讨了有关“表现”的几种含义，在书中以音乐为例，选用音乐的音调结构与人类的情感形式做比较，认为艺术符号与其原始意象之间拥有某种共同的逻辑形式，符号易于被人们接受与感知。此外，通过艺术，可以了解并表现人类的情感结构，艺术是人类情感的符号表达，艺术符号之所以是艺术的，因为它不同于任何已经被人们公认或习以为常的符号或者语义学概念。所以，用克莱夫・贝尔的理论来说，所有的艺术都是一种“有意味的形式”，艺术与哲学、宗教具有同样的地位却不属于典型的人类思维创造，对艺术的反应应该是一种超越一般乐趣的独立情感。即：艺术是人类情感的符号形式的创造。
二、艺术创造中的意象与原型
朗格认为，对于以艺术谋生的艺术家来说，美的欣赏是一种持续而直接的经验，必须要培养审美态度。任何一件艺术作品都是一个脱离现实的虚幻物象，艺术家所创造的艺术并不只是小说中的人物，绘画中的图像，戏剧里的事件，电影里的镜头，或是人类内心诸种感觉因素的简单结合（这些内容都只是艺术家在作品中运用的虚构物，称之为“二度创造物”，并非真正的创造物）。对此我们可以做这样的理解，现实中我们看到的花草、树木、人物等存在物是不能被再次创造的，如果把这些形象转化为图像、文字或情节，它就不再是原本的花草、树木、人物了，而是以真实的材料创造出来的意象，意象脱离了实际的因果、秩序的束缚，仅作为人类的感知而存在。对于意象与原型的关系进行思考是艺术理论的基本论题。
朗格对艺术进行了分类，以幻象为分类的标准，她划分了虚幻的时间和虚幻的空间。在此分类标准下，绘画、雕塑、建筑等视觉艺术被划入“虚幻的空间”，音乐则划入“虚幻的时间”，舞蹈则是处在音乐之上的可见的形体力量。因此，在朗格看来，所有的艺术都是虚幻的，我们并不需要借助艺术探求某种有形之物，而是通过对艺术的观感，引导我们去体味与之关联的象征，进行一种关于感觉性质的思考。
三、艺术符号的价值与作用
朗格从艺术的表现力和观众接受这两个方面阐述符号的力量。从表现力方面来说，朗格用自问自答的方式回答了艺术品对每个人所产生的意义，以及衡量优秀艺术品的尺度，还有美与艺术的关系等问题。朗格认为艺术品的情感价值不在于其基本含义，而在于智力水平所达到的高度。因此，艺术品的各个因素只有在典型情境中才能被形象地反映出来。如何使一件艺术品的意义不仅能被其创造者所了解，而且能被每一位接受者所了解，这就需要直觉的理性活动来认识艺术符号的意义。在艺术的真实与虚假的关系问题上，朗格认为艺术的关键就是对情感的恰当处理，衡量优秀艺术的标准在于艺术是否能够把握人的思维和表达虚构的真实情感。违反真诚性，严重扭曲的艺术是低劣的艺术，不能对人们产生积极的情感作用。从接受者的角度来说，为了能够更好的理解艺术，受众必须具备敏锐的感应能力，这样才能体悟到艺术独特的表现力。
此外，朗格对电影这种新兴的艺术形式还做出了自己的独特理解，她认为电影是一种新的“诗的形式”，是银幕上“梦境化的现实”，这体现出朗格对新生的艺术形式的关注。
四、对前人理论的扬弃
纵观《情感与形式》一书，其中最重要的观点就是艺术是人类情感的符号形式的创造。在对这个观点的论述中，朗格摈弃了索绪尔语言符号学中“能指”和“所指”的划分，提出“艺术品也就是情感的形式”，这样的观点能够说明朗格的符号论区别于传统的符号学，这与朗格受到卡西尔的影响有关。卡西尔最著名的理论是符号论哲学，他认为人类的文化现象和精神活动都在运用符号的方式来表达自身经验，朗格在此基础上进行发挥，给符号的创造活动和理解活动打下更清晰的印记。
朗格的符号论美学对克罗齐和科林伍德的表现理论也有继承和突破，她在一定形式上吸收了表现主义的理论精华。克罗齐表现主义的核心是直觉，是指心灵赋予杂乱无章的物质世界以形式，不依赖于理智、知觉、感受和综合等手段。科林伍德的表现论从巫术和娱乐的方面考察艺术。朗格的符号论美学认为，这些理论在一定程度上轻视了艺术思维在艺术创作中的理论指导作用。朗格在借鉴前人的理论时，对他们的理论进行修正，做出自己的独到见解。
五、结语
苏珊・朗格一生都在探求如何认识艺术符号的意义，她对不同的符号加以确定从而给符号创造活动和理解符号意义创造条件。艺术是一种能表现人类情感的本质并清晰地呈现出来的形式，“是人类情感的符号形式的创造。”那么，艺术如何表现人类的情感呢？苏珊・朗格认为，艺术要表现人类的普遍情感应采用全世界通用的形式，这需要艺术家借助感性形式来创造艺术品，把混沌不整的客观现实变成可见的形式。
任何理论与现时的时代都是密切相关的，对于任何问题的思考与研究也必须结合现实情况，苏珊・朗格的符号论美学具有极大学术魅力和价值，她在当代美学理论上作出了卓越贡献，值得我们不断去研究。从苏珊・朗格的论述中我们能获得对艺术的新认识，从不同角度观照艺术与接受者、艺术与世界之间的关系。同时，也许我们对艺术问题能看的更深，理论研究也能走的更远。
参考文献：
[1][美]苏珊・朗格，《情感与形式》，刘大基、傅志强、周发群译，北京：中国社会科学出版社，1986.
[2][意]克罗齐，《美学原理》，朱光潜译，上海：上海人民出版社，2007.
[3]朱光潜，《西方美学史》，北京：人民文学出版社，2003.
[4]马新国，《西方文论史》，北京：高等教育出版社，2008.
注解
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