当代设计的美学特征范例(3篇)

当代设计的美学特征范文

关键字：设计艺术本质特征发展趋势

一、中西方设计艺术溯源

从最为广泛的意义上说，人类所有生物性和社会性的原创活动都可以被称为设计。从这个角度来说，设计的概念未免过大，因而我们这里讨论的是具有明确限定的狭义的设计，即合乎目的性，具有功能性、艺术性、科技含量和经济利益的设计。无论是中国还是西方，设计艺术都具有一个漫长的，内涵和外延不断变化的历史进程。

（一）中国设计艺术历程简述

中国的设计艺术可以追溯到几十万年前的石器时代，原始社会人类设计的石斧、石刀具有对称、节奏、光滑等朴素的形式美，包含有一定的审美观念和艺术手法。中国是个历史悠久，地广人多的多民族的文明古国，几千年来创造了璀璨的中华文明，智慧的人民在生产工具和技艺的变革上做出了巨大的贡献，因而在不同的时代也创造了不同的设计艺术成就。先后留有原始社会时期的具有划时代意义的石器和陶瓷设计艺术；奴隶社会时期的伟大创造——青铜器设计艺术；封建社会时期更是百花齐放、灿烂夺目，建筑设计艺术、园林设计艺术、家具设计艺术、服饰设计艺术、瓷器设计艺术、雕塑设计艺术等都在世界设计艺术史上占有重要的地位。在中国近现代史上，中国设计艺术的发展也出现了断层。五四运动之后，在20世纪30年代作为中国工艺美术教育的开拓者和创始人之一的庞薰琴和一批设计家、设计教育家从西方引入现代设计艺术思想，对中国现代艺术做出了巨大的贡献。建国后，由于种种原因，设计艺术在我国只是被定义为“工艺装潢”这类狭隘的范围，并没有形成设计艺术的产业化，对经济的发展没有起到其应有的作用。直到七八年代改革开放后，中国的设计艺术才真正发展起来，逐渐成为推动国家经济社会发展的产业并形成了具有中国特色的设计艺术。

（二）西方设计艺术历程简述

西方原始社会时期设计艺术和中国一样集实用和审美于一体，具有朴素的石器时代的痕迹。奴隶社会时期古埃及设计创造了辉煌的金字塔艺术。古希腊的多立克柱式、爱奥尼亚柱式、科林斯柱式奠定了世界建筑设计艺术的基础，其各方面的巨大成就也开创了欧洲设计艺术的历史。公元476年西罗马帝国灭亡之后，欧洲进入封建社会时期，由于受宗教的影响较大，中世纪的设计艺术推崇精神上的表现。哥特式的建筑是此时的代表，造型高拨、挺直，讲究装饰。文艺复兴时期，西方的设计艺术得到空前的发展，出现了像达芬奇、米开朗基罗以及拉斐尔等大师级的人物，这一时期的设计艺术崇尚个性、自由、解放，对后来工业时代的设计艺术产生了巨大的影响。西方现代设计艺术的出现从一定程度上来说是工业革命的结果。随着18世纪的工业化，机器时代的到来，设计艺术也超出了为少数贵族服务的范畴，为大众所消费、设计与制作，生产活动分离，设计也超出了功能性，具有装饰性、趣味性、象征性等特征。19世纪下半叶，英国出现大规模的“工艺美术”运动拉开了现代设计艺术的帷幕，之后西方现代设计艺术得到了蓬勃的发展，经历了更加宏大，影响更广泛的“新艺术”运动，风格独特的“装饰艺术”运动以及流派众多，艺术风格多样的现代主义设计。西方设计艺术发展到现代主义之后的设计时期，出现了耳目一新的解构主义、新现代主义。如今数字化时代的到来，设计艺术必将继续绽放出新的绚丽火花。

二、中西方设计艺术本质特征的比较

要比较中西方设计艺术本质特征必须从哲学思想和美学思想入手，实践的理论指导理论的实践。不同哲学思想与美学思想的指导，设计的创作会呈现出不同的艺术特征。中西方由于地域差异，人文环境的不同，设计艺术所依托的哲学与美学思想也有着显著差异。中西方设计艺术哲学与美学思想是个宏大的论题，若真要求解非我能力所及，笔者不妨在这里管窥一二以抛砖引玉。当然中西方哲学与美学思想不能割裂，笔者分开论述只是方便在设计艺术这个特定的领域作些有意义的探讨。

（一）中西方设计艺术哲学思想比较

“天人合一”宇宙观是中国传统文化中重要的哲学思想之一，它对中国设计艺术特别是园林设计艺术的发展有着重要的影响。中国园林设计引山水入园林，曲径通幽，借境移情，既有人工设计的诗情画意又有与自然和谐，与天道和谐的意境。“天人合一”是古代哲学史中无论孔子儒家还是老子道家都强调的观点。《老子》中讲：“人法地，地法天，天法道，道法自然。”这是主张天、地、人都统一于象征着自然无为的“道”。又讲“道生一，一生二，二生三，三生万物。”这是认为天下万物由道而生。从中分析可以知道人的设计实践是效法“道”的，而“道”是效法自然的，设计也就是效法自然的。中国古代设计思想家还将设计门类与五行学说联系起来，运用“五行”概念来阐释行业行为与自然现象“相生相胜”即相互对立相互作用的关系。老子并在此基础上有提炼出“阴阳说”，建构出宇宙本原“道”之学说。庄子继承发扬了老子的观点，提出“天地与我并生，万物与我为一”即一种原初、真实、本质的状态。

中国的设计艺术思想深受哲学思想的影响和支配，有着鲜明本质特征：（1）材美工巧。讲究天时、地气、材美、工巧，深刻反映了“天人合一”的哲学思想和人的宇宙观。（2）以用为本。强调用和美的统一，与荀子的“美善相乐”一致。（3）文质彬彬。追求“质”和“饰”的和谐统一，（4）顺物自然。崇尚自然顺物自然是其时期的核心内容。（5）重己役物。强调使用主体的感受并追求功能与审美的统一。（6）物以载道。以物载道、言志、象德。如“玉有九德”，象征着不同人的身份和地位。（7）象。象是古代设计思想的基本，如观物以取象、立象以见意、境生于象外。这种以象为中心的思维方式、认识方式、抒情方式奠定了中国设计艺术的美学基础。

谈到西方哲学思想，不得不提古希腊。古希腊历来被认为是欧洲文明的摇篮，也是欧洲乃至整个西方哲学的故乡，并产生了一批伟大的哲学家，如苏格拉底、柏拉图、亚里士多德亚。柏拉图认为绝对的形式就是美。形式是理念、美、真理、知识和善基石，他用美对形式进行抽象和说明，柏拉图用美来解释了理念、真理、知识之间的关系。柏拉图称之为善“这个给予知识的对象以真理，给予知识的主体以认识能力的东西，就是善的理念。它乃是知识和认识中的真理的原因。真理和知识都是美的，但善的理念比这两者更美，这也就是善的知识。”所以他认为理念还不是最终的存在，理念通过美而被自己超越(更美)，这样借助于美的再一次超越，柏拉图从理念上升到最高形式——善。理念是超验的，它自身没有回归此岸之路，因此它最终只能成为属于神的性质的善，美不能用来说明神，柏拉图也无法再对善有所言说，这样柏拉图的哲学就停留在不可逾越的二元分裂上。

当然如同孔子和老子一样，苏格拉底、柏拉图、亚里士多德亚他们也有着种种分歧，但总的来说，中国的哲学思想讲究变化，没有国定的形式，“天人合一”。而西方的哲学强调固定的形式，尽管之间有紧密联系，但没有轮回。由于无法解释神，不能与神相通，中世纪的哲学成了神的婢女。这点在中世纪的建筑设计艺术上得到很好的例证。哥特式的建筑大都垂直向上，表现了一切朝向上帝的宗教精神，为神服务。而中国哲学虽然也认同“天命”，神可以主宰命运，但强调人与自然的和谐，人有轮回，人达到一定高度也可成为神。中国的古代建筑设计艺术大都“以人为本”，为人服务。

（二）中西方设计艺术美学思想比较

中西方古代设计艺术美学，由于大都产生于奴隶社会和封建社会时期，在一定的社会发展规律下，由于历史认识的局限性，本质上都属于古典主义美学范畴。但由于哲学基础、历史文化、民族审美的差异，设计艺术美学思想也具有不同的本质特征。

1.表现与再现

表现与再现通常被认为是中西方艺术的显著差异，其中在绘画中尤为明显。同样在设计艺术领域这种差异也表现很明显。中国设计艺术强调表现，而西方重视再现。如中国的园林设计体现了古代文人士大夫的身份和地位。中国园林的设计法无定式，追求“外师造化”，并不追求一山一水的准确度，采用散点透视，以人在其中游园的情趣为设计目的，追求人与自然的和谐美。而西方的园林设计以几何形的法国园林为代表，则采用焦点透视，具有理性主义特征。园林内充满了理性的气息，整齐一律，均衡对称，具有明确的轴线引导，讲究几何图形的规律，就是连花草树木都修剪得整整齐齐。为一种人工的创造再现，强调人工美。造成这种审美特征的原因当然与我们上面所谈的哲学思想分不开。中国强调“天人合一”，西方的古典艺术观是“摹仿”。柏拉图认为，艺术是对“理念世界的影子”即现实的摹仿，亚里斯多德认为，艺术是对自然的摹仿。

2.形式与整体功能

柏拉图和亚里士多德他们在想问题的时候脑子里面往往有一个制作图式，即想象着匠人制造物品的样子，然后用这个图式的结构去比附他们要理解的对象，包括整个世界。这一制作图式最典型的形态有两个：一是柏拉图的“原型—摹本”图式，一是亚里士多德的“形式—质料”图式。于是，柏拉图所看到的世界就是原型和摹本外在分立的两重天地，亚里士多德所看到的事物就是形式和质料内在复合的完整个体。而我们中国人理解世界的图式是金－木－水－火－土－金不断地循环，是“阴阳”太极，是八卦图式。因而西方设计艺术美学追求固定的形式美，设计条理清晰，对具体的形要求极为严格，中国设计艺术重道轻器，追求有无相同，注重意境，气韵以及整体的变化，和谐统一之美。这些在中西方的雕塑、建筑、家具、服饰等设计上都能体现这种差异。

三、中西方现代设计艺术发展趋势

西方的现代设计艺术是随着工业革命，工业化大生产而发展起来的。经过两次世界大战和战后经济高速发展后，西方现代设计艺术逐渐在世界形成了主流，传遍全球，当然其发展的过程也借鉴了东方的设计艺术思想。比较中西方现代设计艺术毫无意义，因为中国现代设计艺术在20世纪30年代学习西方之后才逐步发展起来，当然其中也继承和发扬了优秀的中国传统设计艺术思想，主流和西方现代设计艺术是一致的。

随着全球化的加速、科技革命进步和信息时代的来临，可以预言中西方设计艺术将继续相互交流、互补、融合，形成开放化、多元化、世界化的发展趋势特征。两大设计艺术体系殊途同归，创造了并将继续创造出璀璨辉煌的人类设计艺术文明。

参考文献：

[1]尹定邦.设计学概论.长沙：湖南科学技术出版社.2004年版.

[2]杨先艺.中外艺术设计探源.武汉：崇文书局.2002年版.

[3]周剑铭：中国思想和柏拉图哲学.

当代设计的美学特征范文篇2

关键词现代环境艺术设计审美特征

中图分类号：J505文献标识码：A

经济的发展推动艺术的革新。物质生活不断得到满足的同时，人们更加注重文化和艺术的精神需求。现代环境艺术设计是一个较为贴近百姓生活的领域，它不仅能使人们的生活方式更加快捷、方便、舒适，更能丰富人们的精神世界，提高了文化修养和艺术修养，当代社会究竟对现代环境艺术的审美特征有怎样的要求。本文针对现代环境艺术设计的审美特征分析具有一定的理论意义和现实意义。

1现代环境艺术设计审美特征革新的时代背景

当代社会，信息化、全球化的浪潮汹涌澎湃，已影响到社会生活的方方面面。在这一浪潮的冲击下，人们的审美观念也发生了急剧的改变。所谓审美观念是指在一定时期、社会群体和地区环境中所形成的对美的基本认识和看法，以及由此指导下的审美意识、审美趣味、审美心理特征等。审美观念和社会的其它观念形态一样，受到社会生产发展水平的影响，同时它又对社会的整体意识形态产生作用。

在后现代哲学思潮的影响下，当代设计理念发生了很大的变化。后现代设计的强调艺术性和审美内涵的同时，更注重和生活的关系，传统艺术的概念在这里也被颠覆和打破了。如艺术的形式和内容的问题，在后现代艺术家看来，艺术的内容和形式本来就没有任何区分，形式本身就是内容，内容也就在形式之中。所以，要探讨和研究现代设计的艺术审美特征，就必须对现代审美观念要有一个宏观的认识和把握，更需要对现代环境艺术设计审美特征革新的时代背景有准确的把握。

2现代环境艺术设计的基本特征

2.1实用性与审美性的统一

现代环境艺术需要满足人们的生理需要，即环境艺术设计完成后，需要达到使人们的物质生活更加完备或者更加便利的目的，这是现代环境艺术设计实用性的体现。但是现代环境艺术设计与人们生活中的其他生活系统设施的不同点在于，环境艺术设计需要满足人们的审美需求，即环境艺术设计的审美性是建立在实用性的基础上，同时也是对适应性的延伸，它需要通过构造意境或者氛围来给予人们更好的审美体验。

2.2人文性与自然性的统一

现代环境艺术设计是一种实用性的艺术，它本身具备服务性的功能，所以在现代环境艺术设计中完成一个作品的过程是一个必须要尊重人的根本利益的过程，应该具有的人文性，主要体现在方便人、爱护人、关心人。而环境艺术设计的审美创作只有做到具有人文性，才能够满足人们追求良好的生活环境的目的。同时环境艺术设计离不开对自然的依赖，环境艺术设计本身需要对自然中的物质进行合理充分的利用，认识到自然对环境艺术设计的重要性并尊重自然才能够使环境艺术作品体现出应有的审美性。

2.3多样性与整体性的统一

环境艺术设计是一门交叉学科，涉及的学科主要有：建筑学、城市设计、园林设计、城市规划、建筑室内外设计、美术以及工程结构技术。正是因为多学科的交叉与融合，才构成了环境艺术的广泛外延和丰富内涵。

在对象与人群的局限性下，现代环境艺术设计需要满足不同对象或者人群的需要，环境艺术设计作品以及设计思路和设计风格会呈现出多样性的特点。同时现代环境艺术设计又具有整体性，即在面对各类人群或者应用不同的材料，环境艺术尤其自身的设计魅丽并且需要具有统一的、科学合理的设计理念。

2.4积极性与无害性的统一

现代环境艺术设计的积极性是指现代环境艺术作品需要表现出正面的、肯定的以及歌颂的主体，所以现代环境艺术设计在积极性的要求下需要突出自然环境的纯洁与和谐，同时在设计中挖掘更深层次的含义来满足人们精神上对美好的向往，在这个过程中，现代环境艺术设计必须要体现出来的是抵制低俗与丑陋，体现高尚与纯净。现代环境艺术设计的无害性主要体现为环境艺术设计应当是一种科学的规划以及对审美的创造，它能够实现自然环境与人类之间的和谐，无论对自然还是对人类都是有利无害的。

3现代环境艺术设计的审美特征

3.1实用性之美

环境设计必须首先满足人们的基本使用功能，既功能要求。用一定的物质实现构成特定的环境。在使用上有着便利、安全、舒适、美观、经济的要求。比如卧室设计，需要良好的日照和通风，色彩也需柔和，这样才方便人休息；而城市广场则需根据其使用性质确定硬质景观的材质与面积、植物配置和造景。设计对象不同，设计要求和方法也不同。体现出来的实用性也截然不同。

3.2多样性之美

环境设计要满足人们创造优美舒适的感官要求，包括视觉、嗅觉和触觉等关系环境感觉等要素。人体视觉最为敏锐，接受信息量最大。所以在设计中应首先强调物体造型和点、线、面关系及色彩搭配，其次必须注重整体环境的风格情调，同时考虑观赏者距离与角度。要视设计风格的不同与业主的要求而选择相应的装饰材料。当人身临其境，置身于环境中，常有一种超乎各种感觉的体验，即对于环境的直接综合体验，这种体验因人而异，取决于个人的学识和修养。

3.3动态之美

现代环境艺术的社会服务性要求环境艺术设计作品体现出特定人群的生活特性，环境艺术是静止的状态，但是这种静止是相对的，因为环境艺术存在于人类生活的环境中，所以它并不是孤立静止的，比如在一个环境艺术作品创作的过程中，随着时间和空间变化，环境艺术作品美感会产生变化。而即使是在同一时间、同一地点和同一空间下，不同的人欣赏同样一个环境艺术作品会具有不同的效果，而同一个人通过不同角度来看同一件环境艺术作品也能够看到不同的效果，所以现代环境艺术设计具有动态美，但是受到不同审美能力以及审美角度的局限。

参考文献

[1]赵书健.对环境艺术设计与色彩的研究[J].农家科技，2011（4）.

当代设计的美学特征范文

关键词：书法艺术字体设计教学

在现代艺术设计专业教学中，字体设计是一门非常重要的专业基础课，对这门课程掌握的程度，会直接影响到将来专业课程的学习。遗憾的是，在当今大多数设计院系的字体设计教学中，由于各种原因，教学过程中部分教师仅要求学生掌握各种美术字的基本结构和在此基础上的各种装饰性字体设计，缺少对汉字结构和风格特征更深层次的探索。笔者认为，书法艺术所蕴含的审美特征，是字体设计课程中非常重要的一部分，了解和研究书法的发展、演变过程及其蕴含的时代特征，让学生感知到我国不同时代书法艺术所具备的审美特征，才能对现代字体设计（特别是汉字字体设计）的审美特征有所把握，才能设计出符合我们这个时代审美取向的字体。

一、书法艺术与字体设计之间的关系

文字是人类彼此交流的视觉语言，是记录语言的书面符号，中国的文字历经了数千年的发展，书法艺术也历经了数千年的发展，字体设计也历经了数千年的发展。从概念上看，书法艺术是以线条的组合和变化来表现文字之美的艺术形式，它主要通过用笔用墨、结构章法、线条组合等方式，进行造型和表现主体的审美情操。字体设计则是通过对字体结构和文字意义的理解，进行解构和再设计，使学生掌握文字的书写规律及韵律美感，目的在于培养和训练学生的设计和书写能力，并将这种能力运用到今后的专业设计中。直观地理解，二者并没有太大的区别，只不过书法艺术更加注重书者的主观感受，字体设计则是注重外在形式美的同时，强调其实用功能。

在中国文字发展的过程中，不同的历史时期所形成的各种字体，都有着各自鲜明的艺术特征，而各种内在美的艺术形式，都能为现代设计所用。当我们用一种“敬鬼神，畏天命”的态度开始书写甲骨文时，书法之美便已不知不觉地融入到我们的血脉之中，刀刻所产生的挺劲朴拙的图形化文字，殷商巫术礼仪文化的时代风貌充分地得以展现。当文字发展到金文时期时，人们已开始有意识地将文字作为艺术品，强化对形式美的追求，从不自觉的行为，逐渐变成自觉的行为。秦灭六国后，以李斯为代表的一些人，为了提高工作效率，在以秦文字为标准的基础上，整理出书写更加简单的小篆，成为官方文书通用的字体。小篆线条挺劲圆润，且富有立体感，结构整齐对称，将庄严凝重与舒展自如统一于崇高肃穆的气度之中。以上三种字体古朴典雅，都有很强的装饰和图形化色彩，但在识别性上都很弱，在现代设计中，很难作为信息传递的工具使用。但很强的图形化特征，却可以作为其他文字的有益补充，去表现那类历史沉厚的设计课题。

隶书产生于秦代，大量使用于汉代，因为小篆结构的繁琐，笔画减少、化圆为方、书写速度加快的隶书便应运而生。隶书古朴厚重且便于识别，在现代设计中非常适宜于传统题材的表现。楷书始于西汉，魏晋盛行，盛于唐代；行书兴于东汉，是最为实用的字体；草书得名于草稿，从章草开始，唐展到一个高峰时期，至此不再有新书体出现。楷书、行书的定性化字形呈长方形，为现代美术字（印刷字）之基础，且风格多样、个性各异，在现代设计中被广泛使用。草书线条优美、灵动顺畅，有很强的韵律感，虽然识别性不强，但在现代设计中仍可以作为图形化语言使用。

综上所述，传统书法艺术和现代字体设计有很强的血缘关系，可以说过去的时代，当某种书体为官方所认可时，便成为该时代时尚的、实用的字体，书法家也自然就成了该时代的字体设计师了。

二、如何将书法艺术融入到现代字体设计教学中

在字体设计教学中，如何将书法艺术所蕴含的美感融入其中，是一个很值得研究的课题，笔者在课堂教学中也作了一些探索性的尝试。

1.理论讲解。在理论教学中，教师首先需要让学生了解文字即中国书法的发展史，认识书法艺术中所蕴含的审美取向。随着学生认知及思维的拓宽，教师便可以利用一定的方法来强化这种概念。如：教师可以在介绍中国书法艺术的审美取向及发展规律的同时，对有代表性的书法作品进行一些字体特征的分析，引导学生去认识时代审美风尚和实用要求的制约对书体形式的催生作用，从而能够启发和明晰对字体设计原质及方法的认知。

2.原型解析。教师尽量鼓励学生利用课余时间，对有设计风格特点的书法（特别是传统书法）作品进行临摹练习，目的在于通过具体感性地对字体结构及点画特征进行摹习，激发灵感，去发现、探索具有个性特征的、新的字体形式。由于其目的不是去写好、掌握某一名帖，因此对于字帖的选择，临习的方法与时间的安排，都应当与传统的临摹有所区别。如：字帖不一定强求名帖，只要是风格特征明显，具有个性，甚至是字体发展过程中的不成熟形态。由于其自身具有形式的倾向性和可生发性，反而可以成为我们观察、研究的资源；另外，一些非主流的书家，其独特的字体形态相对于传统审美，或许伤于乖张，但倒不失为字体设计中具有启发性的素材；再者，周期要短，原因在于我们不追求技巧上的熟练，而重点在于对其形态特征的解析；临习的手段与方法上，形似并非首要的追求，可更多地强调感受，强化对形态特征的夸张，主动把握内在组合及符号化局部点画的规律。而且，更进一步的是对于审美特征的把握、梳理，当然，从审美特征角度的运化、升华，需要更深层的文化审美的底蕴，但这正是从传统艺术角度进行探索的原动力与目的所在，自然是我们努力的方向。

3.案例分析。教师需要收集一些以书法艺术为基础的字体设计典型案例，做专题讲解，具体可从三个方面切入：第一，直接借鉴传统书法形态而进行的单纯的字体设计案例；第二，以书法的形态特色、审美风格为基础而展开的设计应用，如：以传统书法为元素的标志设计、包装设计、广告设计等，经典的例子包括：2008北京奥运会的一系列视觉设计，靳埭强的设计作品等；第三，可以尝试从日本的字体设计中汲取营养。日本也是一个东方国家，日本文字又是从汉字中分离而来，其文字设计就是在鲜明的现代风格基础上，融入了个性独具的东方文化元素，在审美取向上，是东西方结合的很好范例，我们可以从中得到很好的启示。在专题分析的基础上，再可以安排学生各选择几组自己感兴趣的字或词，结合书法艺术和现代元素进行多种形式的尝试设计。

4.综合实践。有了以上的基础后，教师便可以结合某些主题进行一些有针对性的课堂练习。如：教师可以寻找一些适合用传统元素去表现的实践性课题，结合主题，让学生去完成字体设计部分。

经过以上四个阶段的学习，学生对书法艺术在字体设计中的实用性、艺术性及时代性上，都会产生一定的认知，丰富字体设计的内涵，在今后的专业课程的学习中也自然会做到融会贯通。

结语

通过历代书体的风格剖析，不难看出不同时代的社会状况和审美取向对字体风格的影响，这也和当代文字设计的要求相吻合，所以对书法艺术风格的研究，也是研究字体设计风格规律的必要手段。一方面汲取传统书法中民族审美的营养，一方面体会时代风格的变迁，必然能够设计出反映我们这个时代审美取向的优秀字体设计作品。因此，在字体设计的教学过程中，带领学生去了解我国文字发展的历史，了解传统书法的审美特色与风格演变，对于学生今后的专业课程学习具有非常重要的意义。

参考文献

[1]萧元.中国书法五千年[M].东方出版社，2006.

[2]靳埭强.视觉传达设计实践[M].上海文艺出版社，2005.