《罗丹艺术论》读后感字范文大全(精选8篇)
时间：2024-02-10
时间：2024-02-10
《罗丹艺术论》是法国雕塑家奥古斯特·罗丹的艺术理论著作，内容涉及艺术创作所需的精神、技巧和感性认知等方面。读完这本书，我深深地感受到了罗丹作为一位伟大艺术家所拥有的独特眼光和对艺术的热爱。
阅读《罗丹艺术论》给我带来了许多启示。首先，在罗丹看来，艺术是一种与人类内在情感密切相关的表达方式，它可以唤起我们内心最深处的感受。而这种情感，来源于艺术家对生命的热爱和对人性的探索。其次，在进行艺术创作之前，艺术家需要具备一定的基本功和技能，同时还要具备一颗执着的心和追求卓越的态度。最后，艺术虽然是个人的创造行为，但它的意义和价值却与社会、时代和文化紧密相联。
在我的理解中，《罗丹艺术论》所呈现的不仅是一位雕塑家的创作经验和思考，更是一种人类对美的探索和表达。读完这本书，我更加深刻地认识到，艺术并不是一种遥远而高傲的存在，它可以融入我们每个人的生活，发现我们身边存在的美，同时也可以反映出我们人性的弱点和偏执。在今天这个信息爆炸、审美多元的时代，艺术家们需要不断地去探索，创新和思考，才能让艺术创作更加富有生命力和活力。
在西欧历史的黎明时期，古希腊的雕刻竭力将神人化，这一现象反映出人的思维对深的怀疑、亲近和畏惧。菲狄阿斯在矛盾中寻求幸福、宁静、，形成在雕刻史上的一座高峰。
昏迷与觉醒，对立并存，失去一方，另一方也不存在，束缚与挣扎。罗丹的作品，代表着西方雕刻史上的另一座伟峰，在他之后的杰出的雕刻家丰富了人类的文化氛围，视觉享受。但是从总体来说，却不能在罗丹的基础上有所超越。罗丹通过他的作品透露出对他对人生的思考。他创作、思考、歌颂人类的创造力，人的尊严和为了维护尊严而付出的代价。不仅如此，在罗丹的作品中，我们还看到了惊心动魄的丑，如《丑之美》时，用美的手段表现出那般惊心的丑。
罗丹首先是雕刻家与创造家，其次才是理想家，没有一系列的雕刻，他谈不出《艺术论》，退一万步来讲，能谈出《艺术论》也足以不朽，一篇《艺术论》贯穿对前人的崇敬，对欧洲雕刻史的总结概括，引导后人走向正确的道路，前人的探索是的后人的学习经验与方法更能提升自己的创作思维与灵感。
当读完此书的时候，我深深着迷于罗丹的魅力之中。盖谈艺者不乏其人，能将自己所得聚腋成裘，有创见，有情感，有。渊博精纯的艺术家，百年有几。在他的身上，你可以看到，当艺术家成就愈高、享受的荣誉越多，就更是要善于淡泊名利，善于发现生活，心胸宽广，不怕留言，养成吃苦耐劳的精神。也只有这样才能练就出一个伟大的艺术。
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尊敬传统而要会辨别它的永垂不朽的宝藏：对自然的挚爱与人格的忠诚。内在的“真”？艺术是需要果断的。能把线条推向远处的时光，你才沉浸入空间，抓到了“深”的感觉。生命之泉，是由中小飞涌的；生命之花，是自内而外开放的，潜伏着强烈的内心的颤动，这是古艺术的秘密。伟大的画家深入空间，他们的“力”，就蕴蓄在深厚之中。艺术只是情操，但没有体积，比例，颜色的知识，没有灵感的手腕，最活跃的感情也要僵死。艺者的德性只是智慧，专注，真诚，意志。艺术之源，是在于内在的真。你的形、你的色，都要能传达情感。……，这些东西或许是准确的，但决非真实的，因为它们并不激动心灵。要彻底地桀骜地真实。要毫不踌躇地表白你的感觉，哪怕你的感觉与固有思想是冲突的。拙劣的艺者，常戴着别人的眼镜。最主要的是要感动、爱憎、希望、呻吟，生活。要做艺术家，先要做起人来。真的艺术一定痛恶技巧。艺者醉心于他的事业，此便是艺者心魂。真正的艺者不惮干犯一切既成偏见，诚实地表现他的感觉。
情感——它是能影响我的视觉的——所显于我的自然，我便照样再现出来。艺人则‘视’而有所‘见’，他心底的慧眼能深深地洞烛到自然的奥秘。艺人只要相信他的眼镜就是。在太严酷的真理面前，一般人是站不住的。自然中公认为丑的事物在艺术中可以成为至美。在自然中被认为丑的事物，较之被认为美的事物，呈露着更多的特性。一个病态的紧张的面容，一个罪人的局促的情态，或是破相，或是？垢的脸上，比着正则而健全的形象更容易显露它内在的真。艺术所认为丑的，只是绝无品格的事物，就是既无外表真，更无内心真的东西。还有于艺术认为丑的：是假的，造作的，不求表情，只图悦目的，强作轻佻，充为贵侈，作欢容而无中心之喜悦，装腔作势、故意眩人，或协肩谄笑，或高视阔步，却无真情，徒具外表。总之，一切欺诓，都是丑恶。当他想把痛苦的情调消解，想把老年的哀颓隐藏，为取悦庸众计，想安排自然，使它柔和，那么，他定创造出丑来，因为他惧怕真。没有生命，即没有艺术，……可是艺术中生命的憶憬是全靠模塑与动作两个条件的。动作是这一个姿态到另一个姿态的过渡。在他的作品中，人们可以看出一部分已经过去的动作，同时又可认出一部分将要实现的动作。真正的美的素描与风格是令人为它所表现的内容所吸引，而无暇去称颂它们本身。唯一的美，即蕴藏的真。当一件艺术品或一部文学作品映现出真，表达深刻的思想，激起强烈的情绪时，它的风格或色彩与素描显然是美的了，但这“美”只在作品反映出来的“真”上。无疑的，技巧只是方法：但艺人如忽略了它，将永远达不到他的目的，永远传达不出情操的思想。艺术永不可不用技巧，正相反，必具有纯熟的手腕，才能表自其所知。。。然而艺术的顶点及其难处，无论是作油画，绘素描，还是写作，都要力求自然、简洁。你看一张画，读一篇文章，你全没注意到它的素描、色彩或风格，但你是真被感动到心坎里，那时你可以确信，这素描、色彩。风格，一切技巧都已到了完满的地步。色彩与素描，不能单独着赏鉴，这是一而二，二而一，原来是一件东西。然而，艺术是如是复杂，或可说是以艺术为喉舌的人类心灵是如是复杂，任何区别与分类都不免无聊虚妄。希腊的女性固然是美的，但她的美尤其蕴藏在表现她的雕塑像的思想里。总之，美是到处有的，并非美在我们的眼目之前付之阙如，而是我们的眼目看不见美。人体尤其是心灵之镜，就是这一点造成了它的至美。“假使艺术家只图再现外表的形相，如照相师一般只把脸上的线条准确地临摹起来，而绝无性格之表现，那么他绝对不配人家的赞赏。他应得探求的肖似是灵魂的肖似，只有这个是重要的，也就是这个为艺术家所应参透外表的脸相而到内心寻找的。”
一切线条都要能表白，就是要能起到内心的传达。外表只能欺骗匆遽的观象。一个善观气色之人，能立辨这是假意逢迎或是真诚的好意。这正是艺者的责任去揭发真理，就是当真理被外表所蒙蔽之时。艺术的领土中，更无比肖像或半身像更深入人之内心的了。就在一个最无意义的头上，也藏着生命与力量，为艺人产生杰作时所汲取不尽的材料。你难道没有注意到当反省深思到极点，在矛盾中彷徨不决的时候，竟会有寂灭的想望吗？智慧之于艺术家是必不可少的条件。无论一个雕刻家塑什么像。第一要深切地蕴蓄着大体的动作；第二便须自始至终把中心思想在明白觉醒的心地中维持着，这样才可使作品中最微细的地方，也永远与中心思想有密切的联络。
2007年2月，一个人端着DV和照相机，去到上海城市雕塑馆，看到罗丹作品的展出。天冷，人很少，灰暗的大厅里雕塑比人都多……入门处那著名的断手巴尔扎克，后面挺着肚子的巴尔扎克……不断的找卡蜜尔的模样……以及大厅尽头，《地狱之门》……
91年前的冬天那个老头留着雪白的胡子在法国闭上了眼睛，那些在他指挥下往来行走的模特也在稍迟后的岁月或早或晚的故去。然而那些经罗丹手指触碰、给予过生命的青铜和石膏却还在展览馆里、在电视屏幕上、在世界上任何一个角落的招贴画里活着。
从展厅中央那著名的“思想者”身旁沿阶而下，你可以看到许多镜框中的草图。那是罗丹的草稿。有些用炭笔，有些用铅笔。有些已经像是成型的素描像了，有些则完全无法辨认。这种凌乱无章仿佛就是为了彰显它们草稿身份一样。它们像低人一等的奴仆。它们记载着的形象成为雕塑，堂而皇之的挂着“请勿触碰”的标志，供人们围观，为它们的主人博取旷世的声名。而它们自己，像富家少爷的通房大丫头一样，一经婚嫁便红颜薄命起来。
然而，这些草稿有它们极迷人的地方。作为成品的雕塑，就像一个衣冠鲜明的大神，天衣无缝，你无法了解它的变化。你感受到了美、庄严、才华、创新，但是你无法知道这一切是如何衍生的。就像你看到了蝴蝶，却无法看到它破茧蜕变。伟大的雕塑作品在展厅里陈列，每一个都在陈告着它们主人的天才，那些最为智慧的神性光芒。可是，人和神之间是有过程的。雕塑不会展现这一切。因为它是完美的成品。
然而，你能在草稿中寻求答案。
这本书里说到，罗丹是在1875年到达意大利，看到米开朗奇罗的雕塑，才感豁然开朗的。按照他对他永远的情人罗斯——直到罗斯死前两周他们才结婚——的说法，“米开朗奇罗这个魔术师向我展示了许多东西”，他开始学习绘画，学习一些最为精巧的技法。在我们现在能够看到的草稿中，许多不朽的作品——《吻》、《地狱之门》、《巴尔扎克》——在笔端展现轮廓。那些试探性的勾勒，被涂抹黑又重新勾连的部分，扭曲变形的线条，你可以想象得出罗丹在描绘和想象我们如今所见之不朽形象时的过程。有些形象似乎构思顺利，所以一笔带过简约流畅。有些则大费思量，反复斟酌着一段腰肢的肥瘦，一举手一投足的张驰。当你回头看到这些痛苦草稿最后的成品时，你自然而然可以大致追溯一条路线——在罗丹的意识里，从无，到有，一缕光线，最后缓慢酝酿成功，经诸他的刻刀完成的作品。
对杰出的艺术家而言，伟大的作品偶尔只需一瞬的灵感，但更多的时候需要反复的推演、计算和考量。罗丹描画过17个挺胸凸肚的巴尔扎克，直到卡密尔·克洛岱尔建议他“给他披件衣服试试”，才推出了旷世杰作《巴尔扎克》。然而和他的《加莱义民》一样，非议和抨击远多于赞美。彼时的他也许能想到他创制的这个人物，在罗丹10岁时就故世了的大师巴尔扎克，在其写作生涯中以一天只睡四小时著名。在巴尔扎克的世界里，除了和他的贵妇人们交谈、阅读及充实自己、点酒精灯煮咖啡之外，一半的时间用来写作，一半的时间用来修改，他那些删减流离的小说草稿，在他死后名扬欧洲。比他更晚的福楼拜，在外省的乡间独自写作，然后在夜晚跑到荒野，大声的念诵自己刚写的小说，然后急步回家，手揪着头发，思考着如何做改动。
我并不是要赞美他们的勤奋。
这儿有一个隐约的过程，王勃、曹植这样出口成章的才子不会经历，但在那些才智并不如他们的艺术家那里，这是一条最为欢欣也最为艰苦的路。罗丹已经证明了他的天才，他看到的一切都可以被重新灌注生命。但观看他雕塑的人们，不会回到百年前他的工作室，看着那个忧郁的长须老头，一遍又一遍的命令模特们在他面前走动。在他晚年，他独自雕就了大量的手、脚和肢体，然后把它们拼凑成型。当拼成一个有趣的造型时，他就像造好了积木的孩子一样微笑。他的巴尔扎克，他的但丁，他的情人和模特们，以及他的朋友。他手指触碰和头脑思及的人们，都成为了雕塑，并且成为了流传的不朽。而在那个愁眉苦脸独自做着积木划着草稿寻找灵感的凡人罗丹和壮美的雕塑背后那潇洒的大师签名罗丹之间，有着一条光芒四射的道路。智慧、痛苦、意志、创造、自卑、信心，人到神的一切，凡庸与艺术的差别，都在这个过程之中。
而这个为不朽创制草稿的过程是如何的呢？库切在《彼得堡的大师》末尾写道：
现在，他开始尝试那种滋味了。那种滋味如同苦胆。
艺术中美与丑的问题，是一个争议颇多的问题了。常常是公婆各执一词，各自呛得脸红脖子粗，也没有个是非结果。但这个问题又是讨论艺术时，绕不开的一个问题。艺术家们常常创作一些诸如：罗丹的欧米哀尔这样的年老色衰的老年妓女，那泰罗的老年莫大娜，弥勒的农夫，雨果的卡西莫多，博德莱尔的蛆虫，闻一多的死水。
美与丑的分辨并不困难，但丑的事物能够成为艺术作品的一部分，甚至是重要的主角，这就让人们的认知和感情，出现矛盾与撕裂的感觉。如果仅仅只有这些优秀的作品中有丑的存在也就算了，要命的是还有许多本来就不成熟甚至扭曲的作品，同样充满丑的存在，还说要“唱给骑士们听，”这就让问题的纠结程度以几何次方的速度增长起来。
当指南针像陀螺一样飞转不停的时候，与其争论是指针的问题还是手持的问题，不如把它收起来看看太阳的位置。美丑是单一事物的审美判断，但艺术并不是一个单一的事物。就如同好坏是对单一事物的价值判断，但人也不是一个单一的事物。用局部的标准审视整体，必然导致以偏概全各执一端的矛盾局面。
假如艺术作品中有丑的角色、形象，并不是因为艺术家运用了魔杖或者点金术、仙法什么的玩意，让丑化成了美。对于艺术家来说，根本没有注意到美与丑的问题，或者说他们根本不在乎什么美与丑的问题。这里说的艺术作品与艺术家，特指触及艺术根本的优秀作品与作者，请自动忽略学习中的未来艺术大师和他们的作品。
艺术是美的创造，但又绝不局限于美，特别是不局限于表面形式的美。在艺术创作过程中，不以表面形式的美感为目标和标准的艺术家们，只会自然而然地选择他们想要表达、表现的素材、形象、材料、手法，或许是表现如卡西莫多那样的心理的美，或者如闻一多根本就是要抨击一下丑陋的繁荣。这个时候，美与丑变得不那么重要，至少不会是艺术品和艺术创作的唯一的标准，丑的事物就顺理成章地进入艺术作品中来。
美与丑只是作品创作材料的局部审美属性，不代表作品艺术形象的审美属性和思想主题，欣赏艺术作品时，应当抛弃简单的美丑判断方式。欣赏者如果一定要戴着美丑两色的眼镜来观看，枉顾作品的情绪、主题、思想和艺术家表达的更多更重要的内容，因此陷入到盲人摸象的困境中去就不奇怪了。
所谓审丑与将丑点化为美的臆想，与给阿波罗和维纳斯的雕塑添加无花果树叶，一样的善良而又愚昧。丑的事物，就是丑的事物，不因为作者或者作品的名气、价值就会变得美起来。古往今来的圣贤也要放屁打嗝，而且绝对不会香气扑鼻。后来者，或许会担心佛像脸上落了灰尘，会影响了每天的香火钱，阿罗汉却就着脏手大嚼肥鸡。或许是认知不足，或许是关心的点根本就不同。
艺术中的美丑，就如汪洋中的明与暗，艺术家们有人喜欢光明表现光明，但也会有人喜欢大海的浩瀚、幽深、静谧、狂暴、甚至凶险。幽暗的色调、汹涌的怒涛、破碎的船板和鱼虾，可以表现大海的力量与激情。即便有不合乎漂亮美丽规则的色调、音符、韵脚，那又如何，只要它们表现出了艺术家想要表达的情感、胸怀、向往，都将被纳入艺术作品之中。
艺术家们会运用丑的元素、材料、方法，但是他们绝不是故意将作品做得丑陋，将丑作为艺术创作的标准和目的，他们只按照艺术的规律去创作，根本没有按照美丑的标准去创作，更没有什么越丑越高级的奇谈怪论。在优秀的作品中的丑的元素、形象、人物，也是生动、鲜活、感人的丑，绝不会是死水一潭是一味丑陋难闻。
在大多数人的观念中，不仅是普通的群众，也包括很多学习艺术从事艺术的艺术家和学者，都认为齐白石的绘画或者印章作品是一挥而就的。这种误解形成的原因一方面来自白石作品的风格气象，大写意作品总是让人有信手挥洒的酣畅淋漓感觉，老人有时也会不无幽默和自谦地在落款中写上“乱涂几笔”、“杏子坞老民一挥”的字样；另一方面人们对事物的认知判断，往往是以自己的认知做出的，以己度人是常有的事情，不带研究调查就得出了先入为主的结论。
关于齐白石绘画创作的过程，熟悉他的人们早已回答过了，是从来没有什么一挥而就的事情，反而是很慢、很慎重的过程。抛开别人的言语不谈，认真观察齐白石的绘画或印章作品，在细节之处的控制与经营，绝不是什么潇洒随意的涂抹可以达到的精微程度。学艺、谈艺、欣赏艺术，都不要被一些流言妄语所蒙蔽误入了歧途，世界上从来没有简简单单便可以做出成就的事情。
罗丹在灯光下指出的维纳斯腹部轻微的肌肉起伏，便是优秀艺术作品展现功力与精神的细节所在，是艺术作品与艺术形象诉诸感知体验的微妙之处。艺术鉴赏时常常可以从一笔一墨看出整个作品的艺术水平，正源于这种窥一斑而知全豹的规律，一笔一墨尚未控制得当，何谈什么思想、境界、创新。
艺术作品与艺术形象首先诉诸的是人们的感官，感觉器官与思维神经所获得的丰富、生动的美感与体验，是艺术欣赏认知的基础与价值所在。这种直接的感知与体验过程，才是艺术作品诉诸于人的交流表达方式，对艺术创作和欣赏来说，这比任何理性与抽象的评判结论都更有价值和意义。
艺术作品所塑造的艺术形象，本身就是表达表现的方式和语言，优秀的作品不需要任何外加的解释和说明，更不用说任何外加的定义与判定了。脱离具体感知体验的美学分析、理论解说、故事描述、市场价格，将艺术作品化为抽象思维与名誉、金钱、作者资历、流量的排列比较，简直就是牛嚼牡丹暴殄天物。
作品就在那里，每个人感受到的却各不相同的，不同的人对艺术作品和艺术形象的认知感受各有差异。正如没有借助灯光从特定角度的照明，大部分人并不会注意到维纳斯腹部的细微之处，不会注意雕象的色彩变化与对比感受。敏锐的视觉、观察、理解能力和知识储备，都需要学习和培养，但迈入艺术表达和感知的第一步，开启艺术欣赏大门的钥匙，却是抛弃所有作品本身以外的成见、流言、评判，否则再优秀的认知欣赏能力，也将被一叶障目。
所谓单纯的抽象的纯粹美，完全是理论家们坐在书房里胡思乱想的空洞结果。理性思维、逻辑思维无疑是强大的认知和思考方式，但是正如我们不能将相对论绝对化运用一样，理性思维也不能绝对地将一切事物都理性化、抽象化。
机械文明发达的历史时期，人们曾经认为整个宇宙都是由机械结构的组成；神话巫术发达的历史时期，人们也曾认为整个宇宙是神仙创造或统治的世界；相对论泛滥的时期，人们又认为所有事物都是相对。历史最终将证明，人的认知经常过于自信，并不是他们自以为的那样正确、理性和客观。
美感之外无美。脱离感知过程的感官与精神沉浸体验实践，任何美与艺术表达、创作与欣赏，都将变成脱离美与艺术本身的隔岸观火、隔靴搔痒。从脱离美与艺术实践的抽象和理性思维结论出发，进行的所谓创作、创新自然也会变得格格不入，难以激发美感、吸引人、感动人，时刻需要理论、身价的拐杖来解释和证明。
《罗丹艺术论》是法国雕塑家罗丹的一本著作，该书涉及了罗丹对于艺术的理解和对雕塑的思考。读完这本书，我对罗丹的艺术和他的思考有了更深入的认识，并从中受益匪浅。
罗丹在书中谈到的一个重要思想是，雕塑不仅仅是由材料所组成的静态物体，而是融合了时间和空间的艺术形式。他反对想象主义者的观点，认为他们糟蹋了艺术的本质，即对于观察现实世界的真实感知。罗丹认为艺术是具有生命力的，而没有生命力的艺术作品就像是死了的东西，只有能够表现生命的力量和动态的作品才是真正的艺术品。
另外，罗丹的雕塑作品中也反映了他对于人物性格的描绘。他认为一个作品要想表现出一个人的内心世界和人物性格，就要深入了解他们的个性和情感，从而让作品真实地表达出被雕塑的人物的特点和气质。这种深入了解的方法，罗丹称之为“视觉头脑”，是用人的大脑去创造艺术的步骤。只有通过深入认识被雕塑的现实主体，并运用“视觉头脑”的方法，才能创造出具有真正内涵和气息的作品。
此外，罗丹还谈到了对于空间的理解。他认为雕塑是三维的，并且需要在空间中创造出一个可以活动的物体。因此，罗丹在雕塑中使用了空间和动态感，这种技法让观众可以想象雕塑中的人物动起来，给人们的感官带来了冲击。
《罗丹艺术论》成书于罗丹晚年，是保罗·葛赛尔所记罗丹赛克关于雕塑艺术和历代大师的评点议论，集中反映罗丹艺术观和美学思想，西欧既是对欧洲雕塑史的科学阐释，又是个人经验和教训的精练概括，其中贯穿着罗丹对前人的崇敬、对名作的卓见和创作的喜悦、深思的刻痕、点滴的自省。
罗丹艺术论在线阅读地址
呀，终于上架了，去年读了一遍，对美学的认识很深，罗丹的某些思想靠近东方，但总体还是西方思维。我个人一直把这本书与宗白华先生的《美学散步》当成东西方美学的分叉点。美学属于气韵敏感性的知识，形而上的，但没有基本的艺术功底，光看气韵还是不行的。如同熟读唐诗宋词三百首再呢《人间词话》才会透彻。罗丹论美与丑这篇，之前我比较认同，比如宋词，宋瓷，唐诗特别是经典的，都是情与景与物刹那的火花子迸溅，这个时候用最浓烈，精准多维度的形式表达感情不用咬文嚼字亦可震慑人心，这就是“真”的力量，真感情，真快乐，真悲伤，真低谷，同样艺术里的“美”不仅仅包括造型的优美，色彩的优美（如莫奈的色彩），构图的优美，同样感情也是优美的，而真情犹如素地而后缋，犹如气韵所用仙气。
假的没有真感情的也可能美，但却是短暂的，如明清瓷器看多了就腻歪了，不耐看，而唯有简练凝练了饱满感情的艺术才能历久弥新，穿越时代让一代代人重新找回那震荡艺术创者的时刻，同样震荡我们。所以，经典的作品需要欣赏者个人的心境恰巧在那个时刻，需抱著那个安慰才能发生共鸣。比如，当一个人正处逆境的时候，零落成泥碾作尘，只有香如故。这首词你能从骨子里得到来自梅花的力量，那么这首诗歌，这个时刻，它独属于你，这就是戏剧共鸣吧，艺术共鸣是为了给找到一个强有力的寄托。这个时候无论你的苦海多深，这首词于你是美的，是真的。我想大概罗丹论“美丑”是这个意思吧。大概吧……
摄影艺术必须也是一定来自你对生活的感悟，今天往前走在华师大的路上，刚巧赶上道路绿化施工，以前没仔细思考过景观方案怎么样被施工人员工人施工，看着他们一层层的数层铺碎石子，浇灌水泥，或许最开始你根本想不到施工前的景观的丑陋状态，与基层工人的辛苦，而呈现在大众面前的永远是完美的园林，公园，道路。但都市计划这些美是来自设计师的规划，工人的施工，很基层的东西才泡泡的托起最后的美，多像莲花啊，我们只看到库塞县的美，而不见水底的淤泥与养料。但偶尔知道创作的背景与产品设计理念，还有那些对没贡献得到贡献的人与物，可以非常丰富对美的理解与认识，因为水底的东西是纸袋，托起一颗美的明珠。
这本书是学画画的时候，画画老师推荐的，之前去图书馆找到了很旧的一本，说着后面会借回来看，结果各种原因没借。刚好昨天在书架上偶遇它，于是毫不犹豫的看了起来。
罗丹是雕刻大师，他不写书，这本书大概是他的好友葛塞尔有意去采访或是参观他作品时，专门记录他关于艺术的一些看法和思想。而我对雕刻艺术其实并不是很感兴趣，大概因为不了解所以才没有太大兴趣。
这本书一共有十一章节，也就是说罗丹关于艺术谈了十一个观点，这些观点有关于自然、模塑、素描和色彩、艺术的思想、古代精神与现代精神等。
对于我一个喜欢画画的人来说，罗丹关于艺术的学说真的对我是十分有益的，真的学到非常多的知识。比如，他说的自然。他说自己雕刻都是遵从自然，他不会叫模特刻意的去摆pose以满足他的想法，而是让模特顺其自然的摆，然后他去捕捉那些自然的动作，对他来说顺从自然的作品才是美。
还有关于模塑，他开始自己也没有意识到，是一个朋友提醒他，说你要把一个面看成是一个体积的边线，你要想办法去表现这个体积，用一些凹凸去表现，这样就可以看到潜伏在肌体里的那些搏动的经脉。说的真好，对于画画的我来说，同样也是有用。
比如说我们要表现一个物体，你要让它更有立体感的话，就不要把线条看成线条，你要把线条看成是一个面，把一个面看成是有体积感的东西，这样你表现出来的物体才会有质感，才是立体的。Bingo！太对了。
还有关于一些画家的作品，昨天看这本书的时候，至少让我记得两个非常著名的画家，一个是拉斐尔，另一个是伦勃朗，以及他们作品的特色。拉斐尔的风格是线条柔美，用色也很柔和，是那种宫廷画的标准，这也表现了画家个人对美好生活向往的心境。而伦勃朗的作品，线条的运用是有着强烈的冲突，颜色也是十分黯淡，表现了作者对现实底层生活的关注。
其实，第一章节里罗丹所说的自然，我认为跟前面读的丰子恺所说的“童心”是大同小异的。艺术家是要尊崇自然，从自然的角度与描述事物，才能更好和更真实的体现出事物的美。不记得是这两本书哪本书提到的一句是：艺术家，是比别人更加热爱生活里的一切，要天真，要纯粹！我觉得说的是非常有道理的。
我想到了身边的一些人，如我的室友。她是没有艺术心的人，你让她去玩陶泥，她一脸嫌弃的看着那泥土，怕那些泥会把她的衣服弄脏；然后你看见了一只非常可爱猫，你说你好想养一只猫，但她却说她对猫敏感，觉得那猫身上的毛有点脏。
对于这样的人，我真的很难发现她是热爱生活的。她对金钱比热爱生活更感兴趣，她对那种买一送一的活动更感兴趣，她对理性比感性更感兴趣。所以，我说她不是一个纯粹的人，而是一个伪善的人，她会买一些艺术类的东西，但那并不表示她喜欢艺术，而是为了让这些艺术品表现她比较有艺术气息或者比较有钱一样。
好书是要多读几遍的，多读不同的书，来提高自己的思想和气质内涵。
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