关于绘画的基础知识(6篇)
时间：2024-07-12
时间：2024-07-12
关键词：起源；语言魅力；装饰绘画的主观处理；存在的影响及其价值；实用性
中图分类号：J219文献标识码：A文章编号：1005-5312（2011）23-0179-01
一、装饰绘画的起源和概念及其存在的价值
我国装饰绘画的发展历程可以追溯到远古时期的洞窟壁画及新石器时期的彩陶艺术，以及后来商、周时期的青铜纹饰；秦、汉时期的瓦当及画像砖纹样；汉唐丝织品上色泽瑰丽、工艺缜密、花形丰满的图案；宋明时期的瓷器纹样和敦煌莫高窟的佛教壁画以及富有浓郁地方特色的民间艺术等等，举不胜举。这些都充分反映出东方传统装饰艺术强劲的生命张力和独特神韵。在我国的传统装饰艺术中，没有不写实的变形，也没有不变形的写实。新石器时期马家窑类型的彩陶盆上的舞蹈图案，是我国装饰艺术中最早的作品之一。舞蹈纹样作为图案的主题，五人一组，手牵手，单体造型简洁，面向一致，排列有序，舞者手臂刻画为两道直线，表现出舞者的群舞动感。另外，整体纹饰图案中的平行线、斜行线及弧形线，构成了和谐、稳定、舒展、欢快和优美的画面。这一彩陶纹饰，生动地表现出先民在刀耕火种时期的欢愉场面。它所表现的内容和形式使我们欣赏到了简约而生动的原始装饰美。
装饰绘画在创作上有其特有的艺术规律、表现语言和表现手法，它反映人们的生活理想，传达人们的审美情感，在继承学习传统的基础上，以现代人的思维和观念，去引导和陶冶人们的心灵。装饰绘画以其特有的装饰韵味和独特的艺术语言陶冶着人们的心灵，美化着人们的生活环境.
装饰绘画是正统绘画的一个边缘分支，但点、线、面仍然是它不变的构成元素，是它表现创造的最为基础的语言和单位，它们具有符号和图形的属性，能够表达出画家不同的性格和丰富的思想情感，。装饰绘画的存在有居多原因，我认为它的实用性更应该是重中之重，面对如今人们生活文化水平的不断提高，而学院绘画和其他绘画由于实用价格高于普通人民消费水平，它实用价格的廉价是进入人们家庭生活的重要原因之一。也是它一直能够存在下来的秘密。
二、装饰绘画的主观处理与构成意识
上面提到了装饰绘画的起源和概念，那么，在这基础上让我们明白，在创作过程中，装饰的审美意识、形态、风格和语言均来自社会生活和我们存在的空间。我们存在的空间也就是大自然为艺术创作提供了取之不尽、用之不竭的艺术源泉。艺术要反映时代、反映生活，但是艺术并不单纯是生活的一面镜子，艺术还要高于生活要去反映作者的主观感受，作者的个性，作者的艺术创造。社会生活的多变形态和视觉感受，大自然的千姿百态，都是装饰艺术的源泉。
图案设计，顾名思义，就是对画面中的图形以及形态所作的主观处理，而构成意识又包括作者对画面的图形构成以及色彩构成的意识。但从图案设计来说，我认为，也涵盖了主观处理和构成意识的内容，因为在绘画过程中主观处理可以理解为作者对事物的主观感受和理解，通过特定的表现方式抒发内心的情感，对艺术的把握和控制。那么，主观处理与构成意识对于作者在作画过程中的表现是至关重要的，这样才能创作出越来越多更有审美价值的装饰画作品。
三、结论
在了解和学习装饰绘画中体会和学习到许多的知识，同样也给我带来许多的创作灵感，我追求它独特的构图形式以及完美的色彩运用。关注对描绘对象具体形象特点的深度刻画，更加突出对自然景物表现的个人感受。意在笔先和形象思维，注重艺术形象的主客观统一。通过学习知道，装饰画的构图往往是将内容、形象、表现形式组织在一个整体画面中进行设计，注重画面的构成，讲究画面的形式美感；而装饰色彩是在自然色彩的基础上，以客观色彩为依据，以主观情感为出发点，研究物体色彩间的对比、调和关系，它是按创作的要求在观察自然生活的色彩基础上，经过概括、提炼、归纳、夸张、对比、统一、重复、象征等手法，非客观地整理而成的一种主观色彩。构图和色彩构成了装饰画的主要因素，其构成的核心是夸张与理想化、主观处理与构成意识。
参考文献：
[1]康定斯基.艺术中的精神[M].北京：中国人民大学出版社.
[2]张一民.装饰绘画[M].山东美术出版社.
关键词动漫漫画技法教学方法高职教育
中图分类号：G715文献标识码：A
近年来，动漫作为新兴产业蓬勃发展起来，动画人才基数也远达不到需求数量。因此，动画行业的人才培养也被推至教育前沿。越来越多的高校开设动画专业，为动漫产业培养人才。作为一个处在稚嫩阶段的新兴专业，专业课程内容的设置、具体课程的教学方法都应不断探索，在探索中不断完善。下面就以漫画技法课程为例，探讨合适的教学方法以保证教学目的及教学结果的最终高效呈现。
漫画技法是一门以动漫造型为理论基础的偏重实践练习的学科，也是动画专业基础性学科。该学科专业人才多向动漫制作原画师、修型师等方向输出。因此，所要求的专业技能表现形式多为实践性的绘制与操作。在教学过程中，应遵循行业需求，探索出一条适合动漫专业漫画技法课程的理实一体化教学道路。
1专业理论课程铺垫扎实基础
漫画技法的理论课时，从基础绘制逐渐深入引导直至学生可以独立进行自由创作。其中涵盖的知识点很多，包括：各类动漫风格的欣赏与了解、人物角色造型绘制、动物角色造型、场景造型、上色技法等等。这些知识点的讲授与理解又涉及到绘画基础的讲解。包括：人物比例、结构、动作、五官等。要学习的知识多且专，所以理论课程的学习直接影响手绘技法的效果。
再者，绘画理论的掌握及熟练运用，能够使学生养成一个良好的观察、绘画习惯，基础理论的扎实也让表现技法有更多的可能性。理论课时的安排主要应集中于课程前半阶段，使学生对漫画绘制能够形成一个全面、正确的认识，对基本知识点有全面深入的学习，最终为手绘打下基础。
2手绘（实践）为课程核心内容
动漫专业为动手力很强的专业，课程设置上也多为实践操作类。漫画技法课程的主要目标是通过学习使学生掌握基础绘画知识以及熟练的手绘技法，能够对二维漫画进行自由创意及表现，最终使学生获得能够熟练绘制二维漫画的能力。这个过程中，需要学生在课堂及课后的大量临摹、创意练习。在练习、绘制的过程中不断论证理论知识点的合理性，得到自己的理解。例如：在着色技法上，水分着色与水彩着色表现手法、方式与之呈现出来的效果不同。水粉含粉质，颜色不通透，适合厚画法去叠加、堆积颜色，塑造出有质量感的对象；而水粉属性稀薄，颜色明亮透气感强，适合空灵、轻松的气氛营造。诸如此类还有马克笔表现法、彩铅表现法等。这些技法以及知识点需要学生在绘制中不断实践去总结适合自己的方法。
3理论结合实践教学
理论结合实践的教学方法，应应用于漫画技法这类实用性强的课程，实践环节配合理论课程进行。理论课程学习，不仅使学生获得详细清晰的专业知识积累，更通过在课程的进度中获得对专业知识系统的认识。教师从课程开始至结束所构造的专业理论框架，伴随着课程的推进已经被学生所接受并且学习，将理论课程的作用发挥到极致时，学生在进行手绘创作练习时会思路清晰、有条不紊。这无疑为手绘练习奠定了很好的理论基础。手绘课程的练习，是走出课堂走向专业的必经之路。理论知识体系再强大如若没有手绘的支撑，就犹如纸上谈兵，毫无价值。“勤学苦练”是对一名动漫人才基本的要求，苦练要求不仅在课堂时间多做手绘，课余时间也要进行大量练习，数量的积累最终终能转变为高质量的作品。只有做到学与练的结合，推行专业理实一体化教学，使课堂互动增多，激发学生兴趣，使学生的能力得到最好的开发，让学生学习到实用真本领，这门课程才能发挥出更大作用。
4结语
高职动漫专业漫画技法课要坚持理论与实践相结合的教学方法，更要探索出一条适合发展的理实一体化教学方法，才能够切实有效地实现动漫高职人才的培养。
参考文献
[1]裴晓菲.从实验创意动画来源看分类研究[D].武汉理工大学，2009.
[2]屈云东.艺术设计教育的“开放型”办学之路[J].学府美术，2005.
关键词：绘画基础；园林设计；专业教育；教学内容
中图分类号：TU986.2文献标识码：A文章编号：1006-4311（2013）17-0249-02
0引言
绘画基础训练是园林设计专业教育的基础课，通过绘画基础的训练教育，旨在培养学生视觉观察方法及造型表现能力，使学生掌握生态学、园林植物与观赏园艺、风景园林规划与设计等方面的知识，使他们毕业后成为能在城市建设、园林、林业部门和花卉企业从事风景区、城镇各类园林绿地的规划、设计、施工、园林植物繁育栽培、养护及管理的高级工程技术人才，上升到对生活中美的发现与创造。因此，在园林设计专业教育中，必须具备绘画和艺术的鉴别能力，而这种绘画能力的提高，从这个意义上来讲，园林设计专业的学生，也需要从绘画基础训练做起，这一点是与绘画专业的基本要求是一致的，但园林专业毕竟不是绘画专业，园林专业是一门实用性很强的综合艺术专业，它的专业需求决定了园林专业的绘画教学应有自己的专业特色，不能完全采用纯绘画的教学模式和教学内容。如何在较短的时间内获得较好的教学效果，为园林设计专业的学生打好绘画基础，是值得认真思考和探究的重要问题。这在园林设计专业教育中具有重要作用。
1园林设计中的绘画基础与专业特点
园林专业的基础绘画教学，在园林设计专业教育中的重要性是不言而喻的，它不但具有其他造型专业的共同要求，同时还有自身的特点，在园林设计专业教育中，对绘画基础的训练和掌握，一方面需要设计安排教学内容的依据，同时还要考虑园林设计专业教育自身的特点。传统在园林设计专业设计教学内容时考虑多是共性因素，对个性因素研究得太少，缺少以学生为本的教学理念，没有考虑到学生在思想深处想学什么，应该学什么，尤其在美术学发展日益丰富和多元化的今天，就会使园林设计专业教育中，容易出现导致绘画基础课与专业课脱节的现象。由于绘画基础训练，是园林设计专业教育中必须掌握的基础训练，但把园林专业绘画的基础训练与艺术绘画的基础训练作一比较，可以看到，在园林设计的艺术规范要求之内，对园林专业的绘画要求与艺术绘画具有不同的定义，园林专业的绘画既是“图”，又是“画”。园林专业绘制的“图”首先要体现出科学性和实用性；然后才考虑“画”体现出的艺术审美特性，虽然主次需要分清，但二者的综合才是科学性和艺术性完美的统一。常见的风景园林专业的绘画涉猎的内容和题材十分广泛，例如山水、树木花卉及各类欣赏或实用的人工构筑物等等，都可作为风景园林专业的描绘对象，因此，风景园林专业绘画训练的目的，就是将这些单体有机地综合与组织起来，创造美感很强的组合画面。这就首先要学会对物象的整体观察，要面对物象进行整体的观察，如物象的形体、比例、结构关系，都要通过观察给与确定。这就需要让眼光不停地不受妨碍地在物象上自由游动，这与普通人对局部被动地接受物象是不同的。只有对整体的观察有一个准确的结论，才能够画出好的画面，所以人们常常说，有怎样的观察就有怎样的画面。培养整体观察的能力，体会和感受形体的起伏变化和来龙去脉，提高自己的绘画能力。这样才能在这基础上创造出丰富变化、绚丽多彩的风景园林的画面。
2园林专业绘画突出重点与多样性
园林专业绘画艺术相对其他视觉造型艺术来说，绘画只是园林专业的一项基础知识，因此，在园林专业绘画基础课的训练课时量安排较少，但时间虽少，需要掌握和学习的内容却很多，这在实践和内容上就形成了矛盾，如何解决好这个矛盾，是当前园林专业发展的关键，这里就需要解决一个突出的重点问题。就是如何安排绘画基础课的训练。例如，传统写实、现代变形以及介于二者之间诸多绘画的表现形式，尽管它们的训练方法各有不同，但它们都具有共同的艺术规律，在绘画基础训练时都应该加以注意，这样就可以事半功倍。就素描课训练内容而言，明暗素描可适当减少，可以利用绘本来临摹练习，都可以很快的掌握绘画的基础。应加大速写训练的力度。如要掌握人体绘画基础，就是要掌握先方后圆的基础训练，就是不要一上来，就急于用弧线画人体外形，要先学会掌握把人体可以按比例轮廓打成方框，比如可以把模特的头部、躯干、腿，按模特的动作画出大概的框架，然后在这个框架内再用线勾画出模特的外形，这样就会逐步提高绘画的基础。这样利用速写的能力，不仅可用来快速地收集园林的素材，而且在园林设计画草图时也常用，这些绘画基础对于园林专业的学习具有重要的作用，这是他们未来从事园林设计必备的基本功。速写看似简单其实要画好也很难，需要较长的一段时间练习才能掌握。如果掌握了这些基础训练，那么你在园林设计专业学习时就会得心应手，显现出绘画基础训练对园林设计专业教育中的重要作用。因此，要把握园林设计专业教学内容的丰富多样性，就是在突出重点的同时，适当地安排其他训练课题。使学生通过学习传统的书画艺术，才能有助于学生更好地理解中国传统造园艺术的内涵，提高学生的审美鉴赏力，为学生今后的工作打下坚实的基础。
3绘画基础的技能训练和理论知识
空间构型，这种重技法轻理论的做法，导致学生对物象的观察认识和表现还只是停留在表层肤浅的层次，使学生停留在只要考虑画面的造型合理，很难深入到对象内部本质层次。这就使学生虽然掌握了一些绘画技巧，但艺术整体的素养却难以得到提高。因此，学生在这种条件下，很难对那些有生命、无生命、有形、无形的物象来组合搭配，利用它们各具的功能，进行重新组合，使它们能够构成视觉中的美感。这时候绘画的过程就是“画人物不能只想到画肖像”“画物体不能只想到画物体”，技法训练在绘画基础训练中，固然是园林设计教学的一个重要方面，但更为重要的是要让学生了解技法背后的“道”。就是理论基础，在园林设计构思中，要通过剥离对象，净化对象，只有将复杂的形体单纯化，才能够使中国传统艺术主张和艺术创作达到“技进乎道”的境界，就是要把“技”上升到哲理高度来加以认识；这样才能够使模糊的形体明朗化。这样才可以使各种微妙的感觉压缩到构思的形体之中，建立一种空间的形体概念，才会具有最佳美感。因此，在绘画基础训练时，作为教师不仅要教学生画画，还要教学生构思物象整体的空间构型，这样才可以对那些有生命、无生命、有形、无形的物象来组合搭配，使它们能够构成视觉中的美感。在绘画基础训练时，只要向学生讲明白为什么这样画。讲清楚其中的理论知识，这种理论知识一方面是指绘画技法理论，另一方面是美学原理和艺术理论知识，这时候绘画的过程，就达到了“画物体不能只想到画个体”，在构思中，这样才可以将各种微妙的感觉压缩到构思的形体之中，才会表现最佳的美感。
4结语
对绘画基础训练在园林设计专业教育中的重要性的探讨，是当前对园林专业绘画基础教学内容的整体思考。上述的一些探讨，目的是为了更好地促进绘画基础训练的提高，因为通过绘画基础的训练，可以使学生在园林设计专业的发展中得到更好的发挥。显然，绘画基础训练在园林设计专业教学中具有重要地位，教师在教学过程中，应结合实际情况，尽量使学生提高绘画水平，给学生一个发挥自己能力的空间，使学生在今后的园林设计中得到优秀的作品。
参考文献：
[1]孙刚.浅谈素描的基础训练与绘画风格形成的关系[J].大众文艺，2012（24）.
[2].试论园林设计专业绘画基础教学内容的选择与整合[J].科教文汇（上旬刊），2010（04）.
[3]李腾.三大构成在园林设计专业中的教学思考[J].艺海，2011（06）.
素描是美术绘画专业学生的基础课程，学生要想具有较高的绘画技能，必须要有较强的素描功底，才能为以后的美术绘画打下坚实的基础。很多学校缺少对素描基础课程的重视，使得素描课程教学方式单一，学生缺少学习的兴趣，进而影响了学生水平的提高。
二、目前美术绘画专业素描基础教学存在的问题
（一）教学方式单一
有的学校仍然用传统的教学方法对美术绘画专业学生讲解素描知识，这不仅与学生的实际需求不相符，还影响了学生学习素描的积极性，不利于素描基础教学质量的提高。在素描基础课程上，有的老师教学方式过于单一，老师在讲台上给学生讲解素描的画法和相关知识，学生在下面听讲，学习处于被动接受知识的状态，影响了学生学习素描的主动性。这种单一的教学方式不但会让学生觉得课堂枯燥，还会使学生的创造力受到限制，影响学生美术绘画水平的提高，不利于学生全面发展。现在我国教育事业不断改革，越来越重视学生的主体地位，让学生的个性得到充分发挥，单一的教学模式很容易让学生对素描课失去学习的兴趣，进而影响学生专业水平的提高。
（二）缺少对素描基础教学的重视
受西方现代艺术的影响，有的老师和学生过于重视对西方现代艺术的学习，缺少对素描基础课程的重视[1]，影响了学生素描水平的提高。现在信息技术越来越发展，学生通过计算机就能绘图，使得一些学生认为学习素描没有多大用处，在上素描基础课时也没有认真学习，造成美术绘画专业学生基础知识不扎实，导致素描基础教学质量不能得到有效提高，从而影响了学生绘画水平的提高，不利于学生长期发展。
三、针对美术绘画专业素描基础课程存在问题的相关对策
（一）加强对素描基础教学的重视
要想提高美术绘画专业学生的专业技能，老师必须加强对素描基础课程的重视，对学生进行积极引导，让学生认识到素描课程的重要性，进而提高学生学习素描的主动性。首先，老师要培养学生学??整体观察。素描的关键在于对形体的观察[2]，所以，在素描教学过程中，老师要培养学生的观察能力，让学生对形体有一定程度的把握，学会从全局角度出发，能够掌握形体的主要部分。其次，培养学生素描的整体美感。素描基础课程主要是培养学生的审美能力和观察能力，培养学生素描的整体美感，不但能够提高学生对于事物的观察能力，还能让学生对形体有较强的审美能力。此外，在培养学生对整体范围把握的基础上，老师还要对学生进行细节教学，抓住形体的某个细节，体现出形体的神韵，从而提高学生的绘画功底。
（二）创新教学方法
其一，以多样化教学方法激发学生的学习兴趣。在新课改背景下，老师要重视学生个性发展，这就需要老师改变传统的教学方法，根据学生的实际需求进行有效教学，提高学生对于素描基础课程的兴趣，调动学生学习素描的主动性，进而激发学生的创新能力。比如，在对学生进行素描训练时，老师要积极改变形体的摆放位置，让学生学会从不同角度、光照方向进行绘画，这样不但能够提高学生对于绘画层次、方向、位置的把握，还能突破学生传统的思维定势，发散学生的思维，激发学生的创新意识，进而提高学生的绘画水平。此外，老师还可以借助多媒体对学生进行教学，多媒体集声音、图像、文字、视频为一体，能够使课堂内容更加丰富，进而提高学生学习素描的兴趣，使学生更好的掌握与素描有关的知识。老师还可以通过游戏竞赛的方式对学生进行教学，这样不但能够激发学生学习素描的热情，还能使学生产生竞争心理，要想在竞争中取得第一名，从而提高学生学习素描的主动性。其二，鼓励学生在素描中发挥个性思维。在素描课堂上，传统的教学方法以老师为主体，忽视了学生在课堂上的主体地位，使得学生的个性没有得到充分发挥，影响了学生创造力的提高，不符合当代教育以人为本的教学理念。所以，老师要改变传统的教学观念，鼓励学生在素描中发展个性思维，提高学生的想象力和创新力，从而培养出高素质的绘画人才。比如，在素描教学过程中，老师要鼓励学生根据自己的想法进行绘画，让学生的个性得以充分展现。
传统艺术教育始于欧洲，欧洲传统的艺术教育为大学艺术教育的教法理论做出了巨大的贡献，既为职业教学提供了教学理论和http://方法,又为学生提供了社会训练。
欧洲的艺术与设计教育是从传统艺术教育中延伸出来的，艺术与设计教育在西方开始于视觉艺术，也就是传统的绘画和雕塑。早期与艺术设计有关的教育，主要是传统工艺品的设计，它在很大程度上是受到了欧洲传统艺术教育基础的影响。在西方，如果追根溯源，最早的艺术学校是在公元前400年左右在希腊建立的，在帕拉图的著作中提及到有关画室教授学徒。欧洲传统的艺术教育中，就是以写实型的绘画训练为基础，我们称之为学院派”，起因是出自于在17世纪中期就形成了这个教育训练方法的法兰西皇家美术学院。欧洲传统绘画的特点，就是再现与强调描述。长期以来画家们都是把如何有效地表现故事场景、描绘具体的情节或表达某种寓意来进行艺术创作的。
早在艺复兴时期，艺术教育在意大利就发展得比较成熟了。文艺复兴时期的艺术家们，在艺术教育的教学教法领域中提出了许多有价值的想法。在技法纯熟的艺术大师们不断地创作过程中，获得了独特的艺术教育的理论和方法,这些都是按照被保留下来的古代文明的碎片进行了整理和收集。艺术家们不仅恢复了博大精深的欧洲传统艺术,也为欧洲传统艺术教育创造了艺术教育历史上的里程碑,达到了人类不为所知的高度。在14-15世纪早期，画家乔托等就对大自然的景象进行了十分逼真的描绘，与当时的人文主义思想相结合，虽然有些呆板僵硬的痕迹，却也显示出了与中世纪所不同的现实主义风格。15世纪末到16世纪中叶，出现了达芬奇、米开朗琪罗、拉菲尔盛期三杰”。提香·韦切利奥被誉为西方油画之父，继承和发展了威尼斯派的绘画艺术，提香对于欧洲后来的绘画艺术有着很大的影响。艺术泰斗们使得这一时期的艺术水平达到了前所未有的高度,同时也到达了最为繁荣和鼎盛的一个时期。
14到16世纪间的人文主义是用来描述比较先进的思想，这段时间里文化和社会上的变化称为文艺复兴，而将教育上的变化运动称为人文主义。在当时的社会，是人们对于拥有崇高的理想和知识教养具有惊人的吸引力的时期,而要实现对于人文主义知识的尊重,就要联合起最不相同的人们：地主和穷人，艺术家和商人，贵族和知识分子。他们不按社会特征区分自己,甚至不按出生地位和财富而按照人文知识的态度来进行划分。人文主义成为了他们拥有对自我征服现实生活的完整性,而沉醉于人文知识的人文理想，为意大利佛罗伦萨的人文精神，没有疲劳和懒惰的感觉,允许他们毫无保留的杰出的创造，从而意味着获得真正的高尚。
在当时著名的人文圈子中,像公爵卡西姆.美帝奇那样,经过自己的学习教育和所有的著名的艺术家,诗人和哲学家一起使得文艺复兴驰名。
在文艺复兴时期，已经形成了传统绘画艺术的三个主要系统：透视学、人体解剖和色彩学，老师们通过工作室将这些技巧传授给学生，就是传统的艺术学徒制度，从此就形成了较为系统的艺术教育教学方法。到18世纪，欧洲大多数国家都设立了这样的美术学院，法国、荷兰、比利时、瑞典、波兰、德国、奥地利，一直到俄罗斯，都有美术学院的设立，并且基本都直属皇家管理，显示其艺术服务对象是皇室贵族。随着当时社会经济的发展，需要很多艺术装饰的专业技工，从而衍生出各种工作室，绘画，雕塑，建筑和各种各样的装饰技法。到17世纪中叶，法国的皇家美术学院设立了绘画、雕塑、建筑三个学院，有了更加明确的专业设置，但是教育方法还是和文艺复兴时期意大利的画室制度相似，还是以视觉描绘技法为主要训练目标，这种画室制度至今都在影响欧洲其他许多国家。在19世纪中叶，因为皇室贵们族对艺术品、工艺品的需求量越来越大，各个艺术学院都增设了与设计有关的专业，比如家具设计、室内装饰、园林设计、首饰设计、陶瓷设计、编织和印染设计等等。虽然教授艺术技巧，各自所教的不同，但也都是通过教学提高学生的审美经验，注重提高学生的文化修养，在教学过程中，更加注意学生解决实际问题的能力，在这个基础上来培养学生创造性思维的能力。
所有的著名的艺术大师都拥有对在自己身边的学生的教育，对他们的艺术教育的实施负责,而这不仅仅是师教问题,教学问题和对学生们的教育问题。在文艺复兴时期伟大的艺术家阿尔布雷特·丢勒留下的艺术作品和著作当中,我们可以看到他无论是在艺术教育理论的领域上,还是在艺术教育方法的领域上，都创造了让人激动不已的巨大的价值。丢勒,在世界艺术史上具有划时代意义的艺术家，他将意大利文艺复兴的形式和理论传播到欧洲，创造和奠定了德意志民族画派的传统和基础，并极大地影响了此后世界艺术的发展，也是欧洲文艺复兴时期最伟大的代表人物之一。
就像伟大的古希腊画家认为：在艺术创作中，不应该只是停留在普通认为的视觉的表像上,而是必须在依靠准确的科学知识上来进行理解和表现。”和丢勒同一时期的艺术家和素描理论家列尼桑斯·列奥·巴基斯特在《关于绘画的三本书》一书中写到：我认为拥有高尚头衔的年轻人开始学习绘画时，都必
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须要知道古代画家巴姆非的格言，他认为一个好的画家要想能真正画的好，就必须要很好地懂得绘画理论。”丢勒在自己的格言中也提到：关于在平面绘画基础上的原理以及正确的教育理论，要给予科学的教学方法…”同时，他也认为http://绘画并不是像机械训练那样只是对照实物描绘，而是要像智慧的科学训练。这个科学的艺术教育宗旨反映在以后的米开朗基罗的话中：用头脑去画，而不是用手。”
在所有的艺术教育发展过程中，丢勒的建议是从认识实物再到平面绘画上。在古希腊时期，这个原理就奠定了古希腊艺术教育着手于学生们和拥护者们从主观观察自然，到归结为客观认识自然的景色，这也是艺术教育教法确立的初期，从只是对照实物绘画的基础上转变为真正的依据科学理论来进行分析绘画。这个新的艺术理论在当时的欧洲艺术教育中产生了很大的影响。伟大的建筑师弗罗列·布鲁涅列斯基和伟大的雕塑家多纳泰罗在对古希腊和古罗马艺术完美性的寻找研究中，从佛罗伦萨到罗马，在那里他们开始测量建筑的细节和绘制教堂的计划。著名的圣母玛利亚教堂的穹顶就是这位天才建筑师布鲁涅列斯基归结为对自己这一研究的明确结论，并且认为这个巨大的从容不迫的建筑就是他毕生所为之奉献的志向。
而意大利雕塑家多纳泰罗则是真正的改革者，他用自己探索领域的广泛性和多才多艺的天赋在欧洲立体艺术后面的发展中有着巨大的影响力。多纳泰罗在关注建立浪漫派教会浮雕的基贝尔基的工作室教学，他很快的就形成了其独特的艺术风格，并开始创立独立工作室。多纳泰罗去罗马的旅行还促进了他对古代艺术的更深层的理解，也促使了欧洲传统的艺术教育处于佛罗伦萨教堂讲坛中那些浮雕艺术的实现。
也许，古代欧洲的马克·阿弗列里亚的纪念碑，正是鼓舞多纳泰罗在意识上重新认识到艾拉茨莫·达那勒尼骑马的浮雕，这是位于巴杜阿教堂广场上的第一个骑马的布鲁涅列斯基纪念碑，它也是以后时期在欧洲城市建立的所有骑马的浮雕的始祖。
后来的本·罗基欧继续创作这个题材时，他的工作室就成为了运动解剖学的人文研究的中心之一，在那里得到了文艺复兴时期的伟大创始人莱昂纳多·达·芬奇的指导。达·芬奇在其身后留下的诸多教学笔记和素描中，可以证实关于他的包罗万象的天才智慧。《绘画论》是达·芬奇最著名的理论著作，这部未完稿的理论著作在素描艺术教育教法的发展中具有相当大的影响力，是文艺复兴时期理论研究的重大成果。在这部著作中，包含了有按照解剖学的主张和展望来发展绘画艺术的教育，他努力寻找能够使人体运动协调的结构和规律性，依据科学理论研究出色彩关系和反射作用。他像严肃看待科学的学科那样来看待素描绘画艺术。然而达·芬奇指责阿里列勒基和丢勒借助于计算的绘画方法，他明确的回答这个绘画体系对学生有害，但这个绘画体系的发明是由那些不会独立绘画，只会用自己论述的观点和理论去进行艺术教育的人。因为在那样的情况下，受教育者会使用懒惰的方法来进行绘画，他们是对自己智慧的危害，有这个的帮助任何时候也不会创造出一个好作品。如果能够继续按照知觉绘画的道路那样用稳固的训练方法来学习，就会有循序渐进的表现，也是艺术教育的根本。在达·芬奇的追随者和学生中间没有任何一个在艺术天分上能够超越他的；在对艺术的独立看法被基本剥夺的情况下，他们仅仅只能是表面上领会达·芬奇的艺术方式，真正的艺术精髓也许永远也无法有人能够领会。
而无论是丢勒还是达·芬奇，他们都是已知的艺术形式的代表之一，从早年在父亲的工作室，随后向画家沃勒基姆特和一直在德国土地漫游的丢勒吸收德国15世纪的艺术遗产，但是大自然还是成了他最重要
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的老师。
丢勒总结的艺术教育的形式中提到，建议素描训练作为艺术教育的基本。他建议在艺术教育开始阶段把造型结构训练看作是重要的基础部分。对于现在来说，这个方法是完全可以接受的，整个艺术教育师范教育和对学生的http://培养问题在文艺复兴时期的画家中很少有人会去思考这些。在达·芬奇的《绘画论》一书中提到：丢勒如同一位教育家一样，对学生的艺术修养教育的所有的基础观点，按照这一点阐明如何实现学生们应该得到的教育。他写道，在教育的最初阶段要好好地教导他们，然后一边告诉他们培养的方法，一边讲如何用最好的和最善良的语言，用赞扬或鼓励的方式来教导他们。”丢勒在确立欧洲传统艺术教育的《音乐的改变》一书中，划分出了特殊的意义：为了让他们不看见什么不好的，而只有用好的东西来削弱他们的智慧，这个想法是在美术学院以往的自身发展中获得的。”
关键词：中职学习；美术教学；石膏几何体；素描；绘画
美术中有很多与绘画有关的课程，由于素描是众多绘画课程与技能的基础，因此要求学生必须对素描有一个全面的把握。在中职之类的学校中，学生需要学习很多和技术有关的功课，例如：3Dmax、图片制作、Photoshop以及美图等。这些技术化的功课都和素描有着关联。所以学好素描，了解石膏几何体，是中职生当下的任务之一。在有关石膏几何体之类的绘画课程的课堂中，其中所出现的美术透视以及绘画结构、绘画比例等问题，属于在学生中比较多发的问题。所以教好美术教学中的石膏几何体课程是每一位美术教师应承担的教学职责。
1教学方针之一、学会观察
教师在美术教学开始之前，应对学生对已学知识的认知度、理解度、掌握度做好观察和了解，注意学生在回答问题之时的反应和表情，进而根据学生的反应对美术教学做出变动和调整，进而避免“学新知识，遗忘旧知识”局面的产生。在讲新的石膏几何体课程时，教师可以找几个模型来让学生观察，让学生对石膏模型产生兴趣，进而让他们查找、观察、了解对应的素描画的绘画比例、绘画结构以及绘画内容。之后，让学生对素描画再做了解，从观察中挖掘素描的技巧。在此时，教师要借助这种气氛让学生进行素描，开始练习。
2教学方针之二、探索问题
学生在练习绘画、素描之中，一定会有疑问产生。很多学生常把素描石膏几何体想的很简单，结果绘画的时候，问题就产生了，例如：把握不住绘画中应有的素描透视规则，把透视关系弄错等。此时，教师的指导职责以及解决问题的职责就要有所展现了。教师要将绘画问题以及疑问都解决掉，让学生找准一些绘画规律，例如：成角类的透视规律、平行类的透视规律等。之后，让学生反复地、多次地对石膏几何体进行描绘、描摹、绘画，直到对绘画的角度以及石膏几何体所呈现的比例做出正确地素描、把握为止。
3教学方针之三、巧妙讲述
在石膏几何体类的绘画课程中，有很多难懂的美术知识，让学生独自探索、观察是必须的，但是必要之时教师也不要忘了自己的“示范作用”与“为师作用”。教师可以将难度很大的石膏几何体在素描中的基本画法以及技巧进行示范。此时教师在示范的同时，还要注意对石膏几何体课程中复杂知识的阐述与讲解。教师的示范步骤为：构图―――绘画结构―――技能讲解。要将绘画的要领告知、展示给学生，让他们知道素描的第一认知要素―――结构，进而通过结构，明确石膏几何体类型素描的绘画构造，进而找到绘画的本质与规律，真正的学会素描。
4教学方针之四、重点剖析，总结升华
在完成了课堂之初的“学会观察，探索问题，巧妙讲述”的美术讲解妙招之后，对于已经讲完石膏几何体课程，教师应进行“重点剖析，总结升华”。就是对重点的素描知识做一个回顾，然后创造探讨的氛围，让学生聚在一起进行探索、探讨，吸取他人素描的精华，弃掉自己脑海中的“糟粕”，进而实现对素描以及石膏几何体课程的全面认知。最后，在课堂接近尾声的时候，对石膏几何体的认知比较到位，描绘的比较好的同学，教师要当众予以赞赏，使课堂中的“得和失”能够得到一个总结式的评价，进而使石膏几何体课程的不好之处或者不足之处得到升华。
5结语
本文针对美术教学中的石膏几何体这一素描课程的教以及学做了剖析，总结了促进美术教学的“二十五字”妙招―――“学会观察，探索问题，巧妙讲述，重点剖析，总结升华”。素描属于基础性的绘画课程，充满了独立、高雅的艺术魅力与气息。它对学生在中职其他课堂中学习Photoshop以及美图、3Dmax、图片制作等很多技术化的知识有着基础性、引导性、提升性的作用。让学生找准一些绘画规律，例如：成角类的透视规律、平行类的透视规律等，进而教好美术教学中的石膏几何体课程是每一位美术教师应承担的教学职责，让学生学好美术教学中的石膏几何体课程也是中职技术学习的必然性、明智性的要求。
参考文献：
[1]陈瑾.浅议中职学校石膏几何体美术教学的实践与认识[J].中国教育技术装备，2011（11）.
[2]王玉银.论中职学校石膏几何体美术教学考前复习的重要性[J].考试周刊，2010（32）.
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