工艺美术发展史(6篇)

工艺美术发展史篇1

关键词：云南工艺美术;发展;研究;概述

工艺美术最能体现地域特色，云南工艺美术是最具代表性的作品。随着社会的发展进步，促使工艺美术体现出不同的特色，而且艺术种类由少到多，由单一再到多元化，呈现出良好的发展态势，是民族精神的体现。本文中重点剖析了云南工艺美术发展的现状，并对其艺术构造进行了深入研究分析，谨以此为之后的研究奠定理论基础。

一、云南工艺美术发展先决条件

我国属于多民族国家，而每个民族都有自己的特色文化，这主要得益于不同的历史环境造就的，与此同时还与各民族的实际情况有着密切的关联，这其中还蕴含着民族特色的相关元素，同时也是民族智慧的体现；而从另一角度分析，也属于不同社会结构下，形成的不同民族精神。针对工艺美术来说，其在应用过程中不仅体现出产品的功能性，还能彰显艺术的工艺性，体现精神文化。从云南工艺美术发展的规律角度分析，艺术形式是处于变化状态，由之前的实用艺术，逐渐转变成鉴赏艺术。伴随科技的不断发展进步，经济基础得以显著提升，尤其是针对现阶段来说，人类物质及精神文明又得到融合，这在工艺品方面得以显现，对之后的工艺美术发展具有一定的促进作用。不同历史时期，会以不同的状态出现，其在标准方面也发生变化，针对人的本质来说，必须要需要按照美的规律进行工艺美术塑造。

二、工艺美术发展要素

从本质上分析，工艺美术属于艺术和科学结合的产物。云南是我国少数民族的聚居地，属于多民族省份，而工艺艺术在不同民族的发展中意义重大，具有代表性，同时兼具典型性。云南工艺美术历史悠久，已经传承近万年，而针对这种历史造物来说，必须要与科学紧密联系。玉石工艺文化是云南的标志性代表，可谓是独树一帜，历史久远。对于民间手工艺家来说，他们运用自己的智慧，明确角度与直线，借助高超的传统手法，呈现出动植物的不同曲线，彰显他们几何水准；针对工艺家来说，要想对以下物品进行艺术设计：织棉、地毯、挂毯等，需要借助工艺的方式，从而能够将自身艺术理想融入其中，让织造及编织物中具有生机，上述两者的有效融合，实现了艺术设计的目的。人体工学是目前的新兴学科，同时也属于现代设计艺术学习的主要内容。从某种程度来说，科学与艺术的融合揭示两者发展的新方向，展现各自的新气象，不仅为人类带来新科学，还实现艺术的新发展，与此同时，对于人类文明的影响深远，促进人类文明的进步，从根本上解决工业社会发展的弊端。工业艺术发展必须具备良好的前提要素，这其中需要加强教育事业。市场经济体制下，创新我国高等美术教育具有现实意义，这样才能满足时展要求，是目前急需解决的课题。工艺美术发展过程中要注重理论联合实际，在课堂教学过程中，适当融入动手实践操作内容。工艺美术是学科内容，不仅要求具有良好的理论基础，还对动手能力有着极高的要求，继而将思想与精神借以作品呈现。从目前的教育结构而言，要想突进工艺美术的发展是存在弊端的，这就需要开发全新的教育理念，并且需要不断充实自己，在发展过程中需要调动一切积极有利的因素，达到群策群力、做到扬长避短，在现有基础上，实现良好的成效，只有完善上述要点，才能促进工艺美术朝着更好的方向发展。

三、工艺美术研究

工艺美术而言，其自身属于门学科内容，其本质上具有科学性，研究工艺美术的发展具有极为重要的意义，对其基本理论及规律进行深入的探究，属于艺术及美术学科的关键要素。著录鉴赏阶段，一般来说是挖掘到先秦时期，一直持续到清末时期，在不同的阶段，对工艺美术的侧重点不同，具体来说主要是以著录及鉴赏为主。通常情况下可以分为三种方式：其一，以思想家与政治家为主。以工艺现象为例，他们借以表明自身政治及经济主张或是思想基础，以先秦时期为例，这个时期的思想家及政治家，他们将工艺视作奢侈品，并且主张抑制，申明自己哲学，还有政治治国的主张；其二，作为工艺著录。具有代表性的当属宋应星《天工开物》，而除了上述专著之外，还存在数量不等的散杂，存在于文人笔记之中，同时也收录在相关史料之中；其三，鉴赏性著录。而这种鉴赏录不仅数量较多，且形式多样，以下内容为一体：史实、考证、评品，比如具有代表性的李渔《闲情偶寄》。第二阶段以20世纪作为起点，工艺美术逐渐被大众认可，并且作为学科要领的提出促使其发展速度不断加速，具体来说主要是以图案理论作为切入点，进行工艺美术的研究，这可以作为工艺美术学科的初期。20年代至40年代，部分艺术家进行图案的研究，而伴随《最新图案法》的问世，促使我国图案学构建具有一定的标志性。20世纪80年代开始，工艺美术研究的发展取得了良好的效果，同时也使得工艺美研究出现极大的转变，而且在研究领域上也逐渐向广阔层面延伸，从而推动工艺美术发展实现新的纪元。促使工艺美术的发展提升到新的层次，取得了更稳固的地位。研究者们运用现代社会科学的理论方法，从美学、艺术哲学、文化学、社会学、民俗学、经济学等不同的角度对工艺美术进行整体研究，根据研究结果显示，工艺美术这一复杂的文化艺术现象存在多面性，只有从不同角度，或是运用不同方法才能真正把握、才能贴近历史真实，发现它的存在价值、才能对工艺美术发展的历史有所认识。云南工艺发展过程中运用自己独特的民族文化与元素取得了较好的发展成效，促使这一艺术形式呈现出更好地发展前景。

四、工艺美术规范传承制度，加强扶持力度

云南工艺美术的发展与研究为其长远发展奠定了良好的基础，而在传承与传播过程中，基本上是依靠人的行为，所以相关人员必须要做好适当的保护工作，以期获得良好的效果。从以往的传承结果分析，很多工艺美术的传承主要是以内部传承为主，或是以继承人的形式予以传承，如果传承者在此过程中出现后继无人的情况，则势必会影响到工艺美术的传承。要想从根本上避免上述弊端的发生必须采取积极有效地措施。首先，必须要进行继承人的培训，并且还会具有传承人补贴制度，保护相应的传承人，或是老艺人，让他们的技艺能够得到长久的传承；其次，健全年轻化的传承机制。可以借助社会教育，还有学校教育途径，将工艺美术列入到高等院校的学习项目，这样才能推动云南工艺美术的传承能够经久不衰。

五、结语

总体来说，云南工艺美术的发展与探究是为了更好的传承作品，而云南属于多民族聚居地必然存在很多独具特色的工艺美术作品，其中蕴含的丰富内涵值得去探究，在此基础上进行工艺美术再创作，从而能够以这种形式传承民族精神。除此之外，还需要将美术及科学体系相融合，加强教育改革，进一步推动云南美术事业能够具有更好地发展前景。

参考文献：

[1]王艳琦.云南南传上座部佛教壁画艺术及其文化意蕴[J].赤峰学院学报(汉文哲学社会科学版),2016,(11):175-177.

[2]袁靖轶.云南民间工艺美术的保护与发展[J].现代装饰(理论),2015,(09):148.

[3]文丽君.三名之上,寻行业突围———专访云南工艺美术协会会长张化忠[J].中华手工,2013,(10):82-83.

[4]黄繁.云南斑铜工艺品设计及品牌推广的应用与研究[J].艺术科技,2013,(01):124-126.

工艺美术发展史篇2

物质生活水平提高之后，人们更加注重于精神生活质量的改善，这恰好给美术创作者提供了更多的素材。当前，许多著名的美术创作大师，其作品开始融入到人们生活的各个方面。艺术价值的本质是指一件艺术品所代表的作者的艺术个性、风格。所反映的民族性和地域性，个性越典型，其艺术价值也就高。现代美术创作的艺术价值，主要包括：历史价值、发展价值、教育价值、经济价值；等，并且它们之间都相对具有独立性”。

（一）历史价值。我国是具有几千年传统文化的历史古国，美术创作能够显现出特有的历史属性。通常美术创作的历史价值体现于其文物价值，重点表现于美术艺术品在历史上的地位和在今天的作用。美术创作的历史价值往往由时代特征和留存到现今的数量来决定，例如青铜器反映了中国的商周文化；青瓷反映了宋代的艺术和工艺，且流传到现在毁坏较多，所以比较贵重”。

（二）发展价值。文化事业是社会主义现代化建设的重点内容，搞好文艺创作对推动文化事业发展的意义深厚。美术创作从不同的意境角度，让创作者自由发挥出想象空间，从而实现了文化事业的改革进步。如：单纯美术作品中融合当代个人思想，将社会发展潮流与美术作品相结合，间接性地促进了美术作品的变革发展；实用美术作品与艺术应用相结合，体现了艺术创作的应用价值。

（三）一定的反作用，两者之间是相互关联着的。美术创作具有明显的教育价值，为广大美术创好者提供了更多学习交流的平台。如：高校艺术教育课程改革阶段，注重美术创作的开放性，专业生接触不同的美术创作素材，全面激发其参与创作的激情，未来美术创造也将带动着艺术教育的变革发展。

（四）经济价值。美术作品不仅具有其内在的文艺价值，达到一定时间的沉淀之后，美术作品潜在的经济价值也将全面发挥处理。美术创作的经济价值主要是指市场价值，它以价格来表示，由艺术市场的供求关系来决定”。每年都会有不同规模的艺术品拍卖会，美术创作者的作品将逐一展示出来，部分作品也会以不同的价格拍卖出去，这便是美术创作价值的充分体现，呈现出其市场的价值高低。

二、艺术价值实际应用的分析

美术创作不仅是形成作品的过程，也是实现作品艺术价值的必经环节。相反，当美术创作的艺术价值全面提升之后，也可将其应用于现实操作中。应用美术创作潜在的艺术价值，需要从美术创作的内涵、原则和程序出发，较为全面的阐述了美术创作中的构思和构图，素材的收集。只有先搞好创作，才能更好地把艺术价值融入到具体实践中。现从设计、生产、创作等三个方面进行阐述：

（一）设计应用。设计是一件作品创作的前期工作，先将作品的大致结构规划出来，才能指导创作者更好地完成艺术制作”。鉴于美术创作潜在的艺术价值，其应用于作品设计主要体现于形象表达方面。设计师根据美工艺术价值创作的意向，选择形象的图案进行外形设计，有助于表达作品的创作意境。如：绘画创作设计中，从历史价值角度考虑，选择颇具中国传统特色的图案。

（二）生产应用。应用美术创作的艺术价值指导生产，改变了传统艺术品的生产模式，提高了艺术产品内在的市场价值。美术创作指导生产过程，本质上是将艺术价值转换为市场价值，带动了艺术作品综合价值的提升，推动了一个产业的持续运营。如：美术学里的立体造型设计，把单一平面造型转变为立体，不仅增加了艺术成品的视觉效果，也从多个角度呈现了产品的价值。

（三）创作应用。艺术价值属于抽象性的概念，其没有固定的表达形式，完全要靠作者的创作成果进行衡量”。但是，只要美术创作者坚定艺术价值的内在涵义，并以这种深刻的艺术理念为指导，便能应用于创作指导过程。以实用美术作品为例，常用于建筑物的装饰与装修设计，这种作品的塑造便是以艺术价值为指导的。设计者要结合建筑物体的具体风格，编制出最具艺术价值的方案。

（四）改革应用。从艺术行业的发展需求分析，美术创作艺术价值应用于本行业的改革，也具备了传统美工创作不具有的优势。运用艺术价值为现实指导，能够促进美术创造的多元化发展，不再受限于图案、雕刻、绘画等传统美工。如：艺术价值指导下的作品改革，能够实现创作主旋律的多样化、绘画艺术语言的形象化、美术作品中意境的艺术化，加快美工艺术创作改革时期的到来。

三、结论

工艺美术发展史篇3

关键词：音乐；工艺美术；京剧；兵马俑；壁画；博物馆；哥特式；变革

我们常说睹物思人，一些生活的场景会触动我们一些内在情感，让我们心潮起伏。同样，面对一幅精美的绘画作品，我们的内心也会婉如流动小溪，思绪万千。的确好的绘画作品，不仅给我们唯美的视觉享受，也婉如动听的音乐，让我们久久不能忘怀。这不仅是因为其孕育着丰富的历史内涵，还因为其有着丰富的审美意识，为此一幅优秀的绘画、一件上佳的工艺美术艺术品一定承载着许多欲说还休的故事，这就给工艺美术工作者带来了无限的想象空间。作为一名工艺美术工作者要想得到好的作品，就需要融入到生活中去汲取养分，需要走进博物馆中去学习历史的艺术精华，需要研修美术史去触摸艺术发展的历史长线，如此才可以在文艺道路上走的更为长远，而通过音乐元素分析工艺美术的创新与挑战也是文艺工作者必须要面临一个重要课题。事实上工艺美术创作汲取养分的方法很多，下面进行举例分析：

一、京剧艺术

京剧艺术是中国的国粹，在过去没有女旦一角，全部由男子来饰演，教戏的师傅为了练就这样扮演旦角的男子走路更轻盈，具有女子行进的风韵，就让这些男子在两腿间夹一瓶子来回走路，不论是平地步履还是阶梯而上都要夹一瓶子，经过多番磨炼造就男子饰演旦角的惟妙惟肖。在当时戏台没有灯光，麦克风、扩音器等现代舞美与音响设备，京剧只要依靠它独特的服饰、优美的唱腔、艺术化的脸谱，加之演员独到的演出，便足让听戏的观众如痴如醉、忘了知返、欲罢不能。客观地讲京剧的脸谱艺术世界独一无二、不可复制，单纯一个脸谱，就可以展开想象得到无限多的工艺美术创作思路。为此京剧艺术是工艺美术工作者借鉴与学习的巨大宝库。

二、敦煌莫高窟

甘肃的敦煌莫高窟，属于世界级文化遗产，为此各国艺术家都无不趋之若鹜，去膜拜、学习和临摹敦煌壁画。置身期间，在乐声《云水禅心》中，人们仿佛穿越历史，回到悠远的古代敦煌。经过研究，我们惊讶地发现，在欧美工艺美术中经常出现的对偶倒列[1]创作手法，竟然也在敦煌莫高窟的人物身上有所体现，如此可观艺术无国界。因此作为工艺美术工作者，我们要不断加强对于本国艺术的研究，通过自己的努力，促进和提升我国工艺美术艺术水平整体发展。

三、法国卢浮宫

法国卢浮宫作为世界级博物馆，珍藏了来自世界各地的大量艺术精品，这些艺术品可以说是浓缩了人类世界的艺术史，是人类社会发展伟大结晶，而参观卢浮宫就是在欣赏一场世界视觉艺术的宏大交响音乐。可以说，法国卢浮宫是工艺美术工作者的梦想国。通过在卢浮宫欣赏、学习的过程中，我们可以深切的感知中西文化差异，为此取长补短，汲取世界优秀工艺技艺对于促进中国工艺美术的发展也裨益良多。

四、德国科隆大教堂

德国科隆大教堂是中世纪典型的歌特式建筑，艺术欣赏价值极高，站在这壮美的建筑面前，你能做的唯有顶礼膜拜。靠近此艺术杰作，每一石砌、每一雕刻、每一细节都是我们学习的典范！那些唱诗班的优美歌声，可以彻底净化我们的心灵，让你宁静，让你深思。音乐艺术的神奇魅力就是可以将你带入无限的想象世界中去，假若你听过TheSoilBleedsBlack乐队的中世纪哥特风民谣，你就能感受到他们的歌曲拥有极强的画面感，中世纪骑士、僧侣与吟游诗人，喧嚣的集市，幽暗的密林，飞翔的黑鸟，战马嘶鸣，兵器敲击......听到这些画面你是否会放下一切其他去兴奋的勾画草图创作一幅哥特式的崭新工艺美术作品。凡此类工艺美术艺术创作思路举不胜举……在工艺美术的发展道路上，模仿手段已经成为常态化，但一味的模仿，而丢弃本国固有历史和文化内涵也是得不偿失的，事实上工艺美术要发展不仅洋为中用也需要古为今用，要敢于突破束缚和陈旧的框架，以便创造出更新、更好、更高水平的工艺美术设计。然而一些工艺美术艺术家在创作思维上日益老化，不能根据时代的发展，与时俱进的更新自己的创作观念[2]。对前师的作品或者较古老的作品的模仿变得毫无创造性，不仅无法从前人和师长的艺术作品中发现亮点，而且依然沉浸在自己的固有创作思维制作，为此无法创作出新颖、独特工艺美术品，更无法将前人的杰出的创作技术发扬广大，并具以相应的变通。当美国把《功夫熊猫》、《花木兰》这些动画片呈现在中国观众面前之际，我想观看此片的一些艺术工作者们会感到一种隐隐的刺痛，我们拥有丰富艺术和历史题材，但却难以创作出优秀的工艺美术作品。幸运的是中国现在已拥有世界上最庞大的工艺美术设计师群，有不少的工艺美术工作者正在努力的提高自己的技艺，我们的整体艺术修养和创作水平在不断的提升中。随着国家改革开放，这为中国艺术的发展提供了更为广阔的思想与创作空间。从中国工艺美术发展的的道路上来看，中国设计首先看深圳，因为深圳站在国家改革的前沿，开放程度很高，思想自由，已有很多优秀艺术工作者站到了世界的舞台中央。越是这些优秀的人才越是更能回到最传统的中国历史艺术当中去，眼界越宽就需要更多的创作养分，如此才可以不断促进和推动中国工艺美术的发展，从我国当前工艺美术的发展现状来看，许多博大的文化艺术瑰宝尚未得到有效的挖掘。为此我们必须要吸收世界任何艺术形式的营养，以便更为深入的去开发与挖掘这些文化艺术瑰宝。事实上，我们现在比任何时候都需要回归到民族艺术的本位上来，去认知发掘，精益求精，但不是因循守旧，要带上音律诗词歌赋、带上历史文化政经、带上民族风俗百科去突破革新，如此才可以实现中国工艺美术真正的文艺复兴[3]。

五、结语

如果说音乐是听着最美丽的设计，那工艺美术设计便是看着最好听的音乐，变革则是融汇百家之长突破革新的发展之路，而中国工艺美术发展依然任重而道远!

参考文献

[1]剑桥艺术史[J]．北京：中国青年出版社，1994.

[2]李砚祖.关于消费文化视野下的工艺美术诸问题[J].东南大学学报哲学社会科学版,2008,10(5):84-88.

工艺美术发展史篇4

关键词：中国工艺美术史；课程教学；教学改革

以学生为本，强调的便是学生在整个学习过程中的体验，教师能否在有限的时间内尽可能呈现较多的知识点，并且让学生能够吸收。这些都是教师需要考虑的。而目前的教学现状存在课堂效率低、学生专业成绩不高等现象。这些都让教师不得不去思考，如何利用已有的条件进行教学改革，让学生获得更好的体验，从而提高学生的参与度，建立高质量的课堂。学生是整堂课程的参与者，他们的感受是最为直接、具有发言权的。教学的过程也就是应该围绕学生地体验，将知识点串联在一起呈现给学生，让学生获得一种良好的心理体验。当然了，这也就是需要教师具备强大的专业素养，能够根据每一堂课的知识重点，进行高效的课程组织。

一、目前中国工艺美术史课程教学模式存在的问题

（一）中国工艺美术史的教学目标片面化

中国工艺美术史课是以工艺美术为研究对象，科学地、系统地阐明工艺美术的基本发展规律的一门学科。我们的教学目标便是学生能够通过这门课程的学习，了解到古代人民生活用品审美的演变以及生产发展的历史。这样的教学目标仅仅是将一本课程进行了表面的理解，而忽视了学习这门课程的真正内涵，应该是了解过去、服务于现在，创设出更多富有民族特色的工艺美术。所以说，中国工艺美术史的教学目标片面化，造成了教师在课堂中主要以讲述课本知识为主变为灌输式为主的教学方式，学生难以在这个过程中参与进来，学生的参与度不高，必然会影响学生的学习兴趣。长期下去，学生的成绩必然会受到一定的影响，也未能透过此课程锻炼学生的审美能力。而教学目标的片面化，也导致了教师在教学过程中方向的偏离。

（二）中国工艺美术史的教学方式单一化

就目前的中国工艺美术课来说，一般采用的是灌输式的教学方式，也就是教师在讲台上讲课，学生在下面记笔记。教师根据自己的教学目标及教学计划完成相应的任务，整个过程中完全忽视了学生的需求。诚然，理论性质的课程主要以教师的讲解为主没有错，但是在这个过程中也还是需要学生的理解、参与互动的。教学方式的单一化进一步造成了学生是为了分数而学习的现状，在整个教学过程中，学生关注的点便是教师的考试重点在哪里，如何才能获得高分，而忘记了思考。在学校学习的知识是我们学不完的，学生需要的是建立一种思维方式、思考习惯，这样才能在今后的发展中获得更为持久的动力。

（三）中国工艺美术史的教学内容简单化

在如今这个信息化的时代，教师不再是学生获得课程相关知识的唯一来源，学生利用自己的知识便能够获得一些简单的理论知识，会对教师给予更高的期望值。这就意味着中国工艺美术史的教学内容应该是依托于课本引入实际案例的，从而让课堂上的理论知识能够在现实生活中获得完美的验证。而中国工艺美术史的教学内容的简单化，就造成了教师仅仅是进行课本上内容的教学，完全满足不了学生的需求。学生进行简单的理论知识的学习，是学生自主便能够完成的，那么对于中国工艺美术史课程来说，学生便没有质的提高。与此同时，中国工艺美术史是一门具有实践性质的课程，教师进行教学的内容简单，必然会造成学生实践偏少的现象。而到了真正运用的时候，学生便会存在一定的挑战。

（四）中国工艺美术史的评价方式单一化

评价方式对于学生在该阶段的某一课程的教学进行相应的评价，不仅仅能够反映出学生的学习情况，与此同时也能够反映出教师的教学状况。而就目前中国工艺美术史的评价方式来说，较为简单，仅仅是通过简单的考试来进行评价。单一的评价方式造成了学生学习重点的偏离以及教师为能够对学生的学习情况有一个全面的了解。教师对学生的评价，能够让学生了解目前自己的学习情况，但是仅仅是进行理论方式的检测，必然是片面的；同时仅仅是教师对学生的评价，这也是片面的，毕竟，学生是这一堂课程最直接的受众，最具有发言权。学生的反馈信息，未能及时传递给教师，教师的教学也是茫然的，何谈建立高效的中国工艺美术史课堂？

二、中国工艺美术史课程教学模式改革原则

教学改革一再强调学生的主人翁地位，那么中国工艺美术史课程教学模式改革的原则之一，便是“以学生为本”，让学生在整个教学过程中能够主动地参与进来，而教师也能够为了学生的需求而进行教学。其实是丰富性的原则，信息爆炸的时代要求学生各方面能力能够得到全面的发展，那么教师呈现给学生的必然是丰富的，无论是教学目标、教学方式，还是评价方式，但是，也万万不可是一个没有条理的胡乱的堆砌。最后便是适用性的原则。我们进行教学改革，便是让学生获得一个更好的体验，无论是从教学方式还是教学手段上。学生获得更好的体验，便是建立在最近发展区的教学内容，采用适当的教学方式呈现出来，使学生获得一个全面的发展。而这边不是简简单单地说说就好，还需要教师在实际的教学中，不断地探索、了解学生，从而让中国工艺美术史课程教学真正适合学生。

三、中国工艺美术史课程教学模式改革措施

（一）教学目标的全面化

课程的教学目标就像一盏明灯指引着方向，我们拟定什么样的教学目标，那么接下来的教学内容以及教学方式必然会围绕着教学目标。所以说，在制定教学目标时应该是全面化的，同时也应该是了解学生需求的。毕竟，每一届的学生都有着自己的特点。中国工艺美术史是一门理论结合实践的课程，那么教师在制定目标时，就应该是两个方面（即理论和实践）、三个维度（即知、情、意）。我们需要的学生不仅仅是掌握相关专业知识的学生，还要是有着一定审美能力、思考能力的学生。让学生在教学的过程中，能够获得全面的锻炼，能够为他们接下来融入社会打下坚实的基础。

（二）教学方式的多样化

同一个知识点，使用不同的教学方式便会有不同的教学效果。简单来说，传统的教学方式，学生所学习到的是简单的理论知识，是未经过自己加工的知识，学生学习起来难度大且效果不明显。而采用讨论式的教学方式，学生主动参与进来，所得到的每一个知识点都是经过自己思考的，能够明白里面的逻辑顺序，那么影响必然是深刻的。然而并不是说所有的教学内容都适合讨论式的教学方式，教师应该根据学生的需求以及教学内容的特点，采用合适的教学方式，有探索式的、小组合作式的，等等。教学方式的多样化，能够在一定程度上保持课堂对学生的吸引力，从而提高学生的学习兴趣。

（三）教学内容的丰富化

现如今是一个信息爆炸的时代，学生能够获取知识的渠道也有很多。教师与时俱进地不断丰富教学内容，能够在一定程度上让学生保持对课堂的新鲜感，从而保持学生的探索欲望以及求知欲望。书本上的知识，有着一定的使用年限，但是学生所处的时代确实在是不断变化的。所以说，教师可以根据教学的重点，适当引入课外的知识，能够让学生更加形象、生动地去了解知识点。与此同时，教师还应该根据社会的要求，不断地对教学内容进行完善。书本是一成不变的，但我们的教学内容却是可以变化的。

（四）评价方式的多角度

中国工艺美术史既然是一门理论结合实际的课程，让学生在了解古人审美的基础上，进行工艺美术的创作，那么评价方式必然也应该是理论与实践相结合的方式。评价方式的多样化，使得教师便能够更为全面地了解学生的学习情况，方便接下来进行更为具有针对性的改革措施。基于评价的作业可以有很多种，比方说，主题性质的辩论、美术作品的解说、实际的创作等，让学生通过作业，能力能够有一个全面地提升。对于一些现场类型的方式，教师最好是进行现场评价，能够让学生有一个全面、细致的了解。与此同时，评价的主体也应该是多样化的，不仅仅是教师评价学生，还应该有学生评价课程，以及教师之间的互评。评价主体的多维度，能够让教师对于中国工艺美术史教学有一个全面的了解，那么接下来的教学改革也会更有方向。

四、结语

中国工艺美术史的改革，是时展的必然。因为现如今的社会，要求的是具备专业知识的高素质人才，而这并不是意味着我们进行简单的知识的学习，还有接下来发展的潜力，而这些都需要在课堂中一个长期的积累。所以说，在学校里的学习，不仅仅是专业知识的学习，还有能力的学习，能够为接下来的发展奠定坚实的基础。对于教师而言，便是怎么为学生提供更好的成长环境，让学生能够课堂中获得更为长久的发展。中国工艺美术史教学改革的推进，需要的不仅仅是教师的努力，还有学校、社会也要为教学教学改革提供一个宽松的环境，让社会各方力量为中国工艺美术史教学改革出谋划策，从而让学校能够培养出更多高素质人才。

参考文献：

[1]韩锐.中国工艺美术史教学现状与教学改革的思考[J].安阳师范学院学报,2012,(01).

[2]周亚辉,贺炜.“中国工艺美术史”课程的困境与改革———以民族地区综合性大学为例[J].美术大观,2016,(07).

[3]傅克辉.“中国工艺美术史”课互动式教学法实践探索———以四川美院为例[J].装饰,2013,(10).

[4]张小燕.关于“中国工艺美术史”课程教学改革的初探[J].艺术与设计(理论),2011,(03).

[5]陈静.美的历程———“中国工艺美术史”教学初探[J].赤峰学院学报(自然科学版),2012,(18).

工艺美术发展史篇5

角色向现代“文化产业”角色的骤变是开展好高等工艺美术教育的基础在很长一段历史时期，以小农经济为特征的传统手工业，是为了满足人们基本的日常物质生活需要而存在，其产品以实用价值为主，其中的艺术价值依附于实用价值而存在。伴随着工业化大生产和现代商品经济的迅猛发展，人们的物质生活水平显著提升，精神文化需求日益强烈，原有的手工作业产品因其内在的人文因素所体现出来的艺术审美价值受到人们的强烈追捧。传统手工艺生活必需品逐渐向现代艺术品转变，其产品本身的艺术文化价值被放大，工艺美术从传统“手工业”角色逐渐向“文化产业”角色转变。2008年，新成立的工业和信息化部将工艺美术行业纳入了国家的文化产业，从此工艺美术实现了从传统“手工业”向现代“文化产业”的华丽转身，工艺美术人才需求也随之急剧增加，客观上促进了工艺美术教育的新一轮大发展。学界能否准确认识这一转变，是趁势而为、顺势而上，抓住高等工艺美术教育发展契机的基础。

二、遵从母体文化的传统和现代文明

的召唤是开展好高等工艺美术教育的核心工艺美术根源于中国的母体文化，是中国劳动人民生产生活的文化结晶，是历史文化积淀的产物，具有较强的民族色彩，其发展壮大不能脱离其自有的文化本色。与此同时，工艺美术亦不能仅仅停留于对传统的故步自封，更应该紧跟现代化的节奏，与时俱进，不断吸取多元的现代文明因素去发展壮大自身。1．从传统工艺中吸取养料。古代手工艺的“物”的内核，在独特的美学，简而言之有两大不变的内容：一是超越时代的“材美工巧”———这是手工艺永恒的原则，二是每个时期的审美趣味的映射。超越实用的“工艺美术”不是一般的人工制造物，而是传统精神的凝聚物。尤其是中国的“工艺美术”，它是亚洲这个独特文化国家在地理上的标本（活的、生活的），它是中国独特生活方式的“原型”所在，它复杂地折射了土地、人、生产之间的关系，并通过“馈赠”和流转，在纵向的历史和横向的生活片断中传承。也正是这个原因，可供品鉴的“工艺美术”不会消亡，它卷土重来，自会与中国人如影相随。［1］所以，将立足当代的高等工艺美术教育教学首先从学习好传统工艺中汲取养料作为要义自然是毋庸置疑的。2．从现代文明中吸收新信息。工艺美术教育不同于一般的文化与艺术教育，也不仅仅限定在继承与传播所谓手工业时代。文明的工艺美术教育，它还包含着深刻的人文主义精神，它对于传统与现代文化所表现出的广裹性与包容性正日益为世界文化所认同。现代工艺美术教育的形成与发展过程，必然是一个与传统工艺美术教育中某些束缚人们的思想观念相诀别的过程。［2］现代文明中现代技术手段的精密、现代工具的灵巧、现代工艺技能的张扬、工作方式及表现形式的多变势必给工艺美术创作带来了有别于以往的优越感。同时，多选的新材料、题材和现代审美经验共同构建的气候无疑给工艺美术赋予更大的现代价值。在这样的时代背景下，把现代工艺技术、现代工具、现代材料、现代审美与文化心理等作为高等工艺美术教育教学的主要内容不仅显而易见，而且是转型时代下工艺美术行业适应社会发展、适应市场需求之必需。

三、构建科学的教育教学架构是开展好高等工艺美术教育的关键

工艺美术发展史篇6

当今社会的物化与现代化，艺术设计在其中发挥了举足轻重的作用。在市场效应以及高考门槛等因素下，报考艺术设计类专业的学生逐年攀升，学校的扩招也跟随其后。设计史论作为一个纯理论学科，是艺术设计的重要指导思想，在各大艺术院校作为设计类学生的必修课程。近几年来有多个艺术院校相继在本科、研究生、博士生阶段开设了设计史论专业。不过设计史论这一名词在艺考生面前仍然显得十分陌生，甚至设计相关专业的同学和教师也未必十分了解。虽然设计史的历史与人类造物史同样悠久，设计史论作为设计学的研究方向之一，它的产生却只是20世纪以来的事件。故而设计史论专业的成立与开办出于起步阶段亦可以理解。而今设计史论的专业化和职业化，使得经验提炼成为一种刻意而为之的学术。设计学作为一门新兴学科，被分为设计史、设计理论与设计批评三个分支。通过方向性的确定，以及对相关学科的认识，便能理解研究设计史必然要研究科技史与美术史，研究设计理论必然要研究相关的工程学、材料学和心理学，研究设计批评必然要研究美学、民俗学和伦理学的理论要求。

追溯设计史研究的最初，英国美术史协会主席佩夫斯纳（NikolausPevsner）爵士（1902—1983），通过《现代运动的先锋》（ThePioneersofModernMoverment,London：Faber,1936）开创了设计史研究的先河。更重要的是他通过这部著作在公众的心目中创造了有关设计史的概念，进而影响了公众对于设计的趣味和观念。其他的设计史研究的开创者有吉迪恩（SingfriedCiedion,1888—1968），19世纪的森珀（Gottfriedsemper）和里格尔（AloisRiegl）等人，均是从美术史和建筑史领域出发，许多美术家同时又是建筑师又是设计家。在中国,“设计”作为一个外来词，19世纪末和20世纪初开始使用的时候，中国的社会形态仍然以农业社会为主，通过洋务运动积累起来的民族工业，还不足以成为“设计”这个名词的坚实平台，因此，营造、图案、美术工艺、工艺美术、工艺、装饰、装饰艺术、设计、设计艺术等词混合使用，由于历史原因互相交叉，其外延和内涵的边界含糊不清。

为对此系列名词与相互关系的解答，是将中国设计史纳入世界设计史描述的必要。在中国学术界最早以庞薰、王家树、陈之佛、田自秉等前辈为领导，现今的张道一、李砚祖、张夫也、孙建军、杭间、潘鲁生、王受之等学者，他们竭其心智地在诠释、梳理着艺术设计的哲学、艺术设计的语言、设计之于人类社会的意义，囊括了中外工艺美术史、现代世界设计史、中国近代设计史论、设计概论、设计美学、设计心理学等等有关于设计的理论研究。艺术设计乃是一个技术和艺术融通的边缘学科，为能更好地满足人们物质和精神上的需求，为人类提供适合现代的、更美好的生活环境和生活方式，必然需要多学科相互协作。设计史论作为针对人类造物运动和设计思想的研究和探讨，也需要拓展多学科的学科知识。随着人类社会的进步，不同的设计思想不断提出和革新，这也势必造就了设计史论专业的多学科交叉性、外延模糊性、互动性和开放性等特征。这也为本科学生的学习提出了极大的要求和难度。设计史论不仅仅理解为字面意义上的史论学习研究，并不是简单的时代加故事的历史性叙述。由于学科建设和院校师资方面的各项因素，在课程的合理性和学科的科学性上必然存在着不足之处的，而最为严重的还是系统的学习方法的缺失。

二、教学上研究方法的缺失